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Archivo para June 2008
Susan Hayward: sus películas
Actriz
Nació el 30 de junio de 1971 en Brooklyn, New York, Estados Unidos
Murió el 14 de marzo de 1975, en Hollywood, California, Estados nUnidos (Cáncer en el cerebro)
Nombre de Pila: Edythe Marrenner
Estatura: 5′ 3½” (1.61 m)
Nominada en CINCo ocasiones al Oscar de Mejor Actriz. Lo Ganó en UNA
1937.- Hollywood Hotel (HOLLYWOD HOTEL) (Sin crédito) Extra
1938.- Campus Cinderella.- Co-Ed
1938.- The Sisters (LAS HERMANAS) (Sin crédito) Telefonista
Telephone Operator
1938.- Girls on Probation.- Gloria Adams
1938.- Comet Over Broadway (PROMESA FATAL) (Sin crédito) (Actriz amateur)
1939.- Beau Geste (BEAU GESTE) Isobel Rivers
1939.- Our Leading Citizen.- Judith Schofield
1939.- $1000 a Touchdown.- Betty McGlen
1941.- Adam Had Four Sons (LOS CUATRO HIJOS DE ADAN) Hester Stoddard
1941.- Sis Hopkins (ADORABLE INTRUSA) Carol Hopkins
1941.- Among the Living (MI HERMANO BARRABAS) Millie Pickens
1942.- Reap the Wild Wind (PIRATAS DEL CARIBE) .Drusilla Alston
1942.- The Forest Rangers LA PRUEBA DE FUEGO) ‘Butch’ Mason
1942.- I Married a Witch (ME CASE CON UNA BRUJA) Estelle Masterson
1943.- Young and Willing (DEL FUEGO A LAS BARSAS) Kate Benson
1943.- Hit Parade of 1943 (CUANDO EMPIEZA EL AMOR/CAMBIO DEL CORAZON) Jill Wright
1943.- Jack London (JACK LONDON) Charmian Kittredge
1944.- The Fighting Seabees (ROMANCE DE LOS SIETE MARES) Constance Chesley
1944.- Skirmish on the Home Front (Cortometraje) Molly Miller
1944.- The Hairy Ape (EL MONO VELLUDO) Mildred Douglas
1944.- And Now Tomorrow (EL MAÑANA ES NUESTRO) Janice Blair
1946.- Deadline at Dawn (AMANECER TRAGICO) June Goth
1946.- Canyon Passage (TIERRA GENEROSA) Lucy Overmire
1947.- Smash-Up: The Story of a Woman (DESTRUIDA) Angelica ‘Angie’/'Angel’ Evans Conway (Nominada al Oscar de Mejor Actriz)
1947.- They Won’t Believe Me (ME CONDENA LA CONCIENCIA) Verna Carlson
1947.- The Lost Moment (MOMENTO PERDIDO) Tina Bordereau
1948.- Tap Roots (RAICES DE PASION) Morna Dabney
1948.- The Saxon Charm (UN HOMBRE IRRESISTIBLE) Janet Busch
1949.- Tulsa (TULSA) Cherokee Lansing
1949.- House of Strangers (SANGRE DE MI SANGRE) Irene Bennett
1949.- My Foolish Heart (MI TONTO CORAZON) Eloise Winters (Nominada al Oscar de Mejor Actriz)
1951.- I’d Climb the Highest Mountain (UN HOMBRE Y SU ALMA) Mary Elizabeth Eden Thompson
1951.- Rawhide (DOS CONTRA EL DESTINO) Vinnie Holt
1951.- I Can Get It for You Wholesale (AMBICION DE MUJER) Harriet Boyd
1951.- David and Bathsheba (DAVID Y BETSABE) Bathsheba
1952.- With a Song in My Heart (CUANDO EL ALMA SUFRE) Jane Froman (Nominada al Oscar de Mejor Actriz)
1952.- The Snows of Kilimanjaro (LAS NIEVES DEL KILMANJARO) Helen
1952.- The Lusty Men (LA MUJER CODICIADA) Louise Merritt
1953.- The President’s Lady (LA DAMA MARCADA) Rachel Donaldson
1953.- White Witch Doctor (LA BRUJA BLANCA) Ellen Burton
1954.- Demetrius and the Gladiators (DEMETRIO, EL GLADIADOR) Messalina
1954.- Garden of Evil (JARDIN DEL MAL) Leah Fuller
1955.- Untamed (PASION INDOMITA) Katie O’Neill(Kildare)(Van Riebeck)
1955.- Soldier of Fortune (EL AVENTURERO DE HONG KONG) . Mrs. Jane Hoyt
1955.- I’ll Cry Tomorrow (MAÑANA LLORARE) Lillian Roth (Nominada al Oscar de Mejor Actriz)
1956.- The Conqueror (EL CONQUISTADOR DE MONGOLIA) Bortai
1957.- Top Secret Affair (MANIOBRAS DE AMOR) Dorothy ‘Dottie’ Peale
1958.- I Want to Live! (LA MUJER QUE NO QUERIA MORIR) Barbara Graham. (Ganó el Oscar de Mejor Actriz)
1959.- Thunder in the Sun (TORMENTA BAJO EL SOL) Gabrielle Dauphin
1959.- Woman Obsessed (OBSESION PASIONAL) Mary
1961.- The Marriage-Go-Round (PRESTAME TU MARIDO) Content Delville
1961.- Ada (ADA) Ada Gillis
1961.- Back Street (LA USURPADORA) Rae Smith
1962.- I Thank a Fool (LLANTO DEL CORAZON) Christine Allison
1963.- Stolen Hours (AMARGA VICTORIA) Laura Pember
1964.- Where Love Has Gone (CUANDO EL AMOR SE VA) Valerie Hayden Miller
1967.- The Honey Pot (EL JARRO DE MILE) Mrs. Sheridan
1967.- Valley of the Dolls (EL VALLE DE LAS MUÑECAS) Helen Lawson
1972.- Heat of Anger (TVM). Jessie Fitzgerald
1972.- The Revengers (LOS VENGADORES) Elizabeth Reilly (Coproducción México-Estadounidense
1972.- Say Goodbye, Maggie Cole (TVM. Dr. Maggie Cole
Jayne Mansfield: sus películas
Actriz
Nació el 19 de abril de 1993 en Bryn Mawr, Pennsylvania, Estados Unidos
Murió el 29 de junio de 1967, en Slidell, Louisiana, Estados Unidos (Accidente automovilístico)
Nombre de Pila: Vera Jayne Palmer
Estatura: 5′ 5″ (1.65 m)
Destacó por su gran busto y apretada cintura: sus medidas “pequeñas”. fueron 39 1/2-23-36 ½ y las “grandes” 46D-18-36.
Madre de la actriz Mariska Hargitay, la cual nació el 24 de enero de 1964 y lucen en la serie “Law and Order”.
1955.- Female Jungle (PERSECUCION) Candy Price
1955.- Pete Kelly’s Blues (LA TABERNA DEL MAL) La gigarrera en el cabret
1955.- Illegal (ILEGAL) Angel O’Hara
1955.- Hell on Frisco Bay (ENGENDRO DEL MAL) (Sin crédito) Baila en una escena
1956.- The Girl Can’t Help It (TU SABES LO QUE QUIERO) Jerri Jordan (Su lanzamiento estelar)
1957.- The Wayward Bus (EL OMNIBUS PERDIDO) Camille Oakes
1957.- The Burglar.- Gladden
1957.- Will Success Spoil Rock Hunter? (EN BUSCA DE UN HOMBRE) Rita Marlowe
1957.- Kiss Them for Me (EL BESO DEL ADIOS) Alice Kratzner
1958.- The Sheriff of Fractured Jaw (COMISARIO A LA FUERZA) Kate
1960.- The Challenge.- Billy
1960.- Too Hot to Handle (ELLA ERA IRRESISTIBLE) Midnight Franklin
1960.- Amori di Ercole, Gli (LA VENGANZA DE HERCULES) Reina Dianira
1961.- Monte Carlo (TVM)
1961.- The George Raft Story (MUJERES EN SU VIDA) Lisa Lang
1962.- It Happened in Athens (SUCEDIO EN ATENAS) Eleni Costa
1963.- Heimweh nach St. Pauli.- Evelyne
1963.- Pomises! Promises!.- Sandy Brooks
1964.- Amore primitivo, L’ .- Dr. Jane
1964.- Panic Button (HOTEL PARA MUJERES) Angela
1964.- Dog Eat Dog.- Darlene
1966.- The Fat Spy.- Junior Wellington
1966.- The Las Vegas Hillbillys.- Tawny
1967.- A Guide for the Married Man (GUIA PARA EL HOMBRE CASADO) La muchacha con Harold
1968.- Single Room Furnished.- Mae/Eileen
Lana Turner: sus películas
Actriz
Nació el 8 de febrero de 1921 en Wallace, Idaho, Estados Unidos
Murió el 29 de junio de 1995, en Century City, California, Estados Unidos (Cáncer)
Nombre de Pila: Julia Jean Mildred Frances Turner
Estatura: 5′ 3″ (1.60 m)
Apodo: La Chica del Sweater
Trivia: Se casó en SIETE ocasiones. En algunas otras fuentes se da como su fecha de nacimiento el 8 de febrero de 1920, pero en su autobiografía insistió en que nació en 1921.
Nominada en UNA sola ocasión al Oscar de Mejor Actriz, sin ganarlo.
1937.- A Star Is Born (NACE UNA ESTRELLA) (Sin crédito) Extra
1937.- They Won’t Forget (ELLOS NO MOLVIDARAN) Mary Clay
1937.- Topper (Sin crédito) Extra
1937.- The Great Garrick (EL GRAN ACTOR) Mlle. Auber
1938.- The Adventures of Marco Polo (LAS AVENTURAS DE MARCO POLO) Jazama’s Sirvienta
1938.- Love Finds Andy Hardy (CUPIDO CONTRA ANDY HARDY) Cynthia
1938.- The Chaser (EL CAZADOR) (En el corte final su personaje desapareció) Miss Rutherford
1938.- Four’s a Crowd (EL HOMBRE PROPONE) (Sin crédito) Bit
1938.- Rich Man, Poor Girl (DON AMOR Y DON DINERO) Helen Thayer
1938.- Dramatic School (ESCUELA DRAMATICA) Mado
1939.- Calling Dr. Kildare (LLAMEN AL DR. KILDERE) Rosalie Lewett
1939.- These Glamour Girls (LAS HECHICERAS) Jane Thomas
1939.- Dancing Co-Ed (ADOREABLE IMPOSTORA) Patty Marlow
1940.- Two Girls on Broadway (LAS CONQUISTADORAS DE BROADWAY) Patricia ‘Pat’ Mahoney
1940.- We Who Are Young (LOS QUE SOMOS JOVENES) Marjorie ‘Margy’ White Brooks
1941.- Ziegfeld Girl (LAS FOLLIES DE ZIEGFELD) Sheila Regan
1941.- Dr. Jekyll and Mr. Hyde (EL HOMBRE Y LA BESTIA) Beatrix Emery
1941.- Honky Tonk (GALLARDO AVENTURERO) Elizabeth Cotton
1942.- Johnny Eager (LA SENDA PROHIBIDA) Lisbeth ‘Liz’ Bard
1942.- Somewhere I’ll Find You (EN ALGUN LUGAR TE ENCONTRARE) Paula Lane
1943.- Slightly Dangerous (LA FINGIDA CENICIENTA) Peggy Evans
1943.- Du Barry Was a Lady (LA DUBARRY ERA UNA DAMA) (Sin crédito) Cameo 1944.- Marriage Is a Private Affair (EL MATRIMONIO ES ASUNTO PRIVADO) Theo Scofield West
1945.- Keep Your Powder Dry (ERAMOS TRES MUJERES) Valerie ‘Val’ Parks
1945.- Week-End at the Waldorf (AQUI EMPIEZA LA VIDA) Bunny Smith
1946.- The Postman Always Rings Twice (EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES) Cora Smith
1947.- Green Dolphin Street (LA CALLE DEL DELFIN VERDE) Marianne Patourel
1947.- Cass Timberlane (EL ETERNO CONFLICTO) Virginia Marshland
1948.- Homecoming (RENUNCIACION) Lt. Jane ‘Snapshot’ McCall
1948.- The Three Musketeers (LOS TRES MOSQUETEROS) Lady de Winter
1950.- A Life of Her Own (PAGINAS DE MI VIDA) Lily Brannel James
1951.- Mr. Imperium (CADENAS DE ORO) Fredda Barlo
1952.- The Merry Widow (LA VIUDA ALEGRE) Crystal Radek
1952.- The Bad and the Beautiful (CAUTIVOS DEL MAL) Georgia
1953.- Latin Lovers (MI AMOR BRASILEÑO) Nora Taylor
1954.- Flame and the Flesh (LA LLAMA Y LA CARNE) Madeline
1954.- Betrayed (FLAMA DE TRAICION) Carla Van Oven
1955.- The Prodigal (EL HIJO PRODIGO) Samarra
1955.- The Sea Chase (CACERIA EN LOS MARES) Elsa Keller
1955.- The Rains of Ranchipur (LAS LLUVIAS DE RANCHIPUR) Lady Edwina Esketh
1956.- Diane (DIANA DE FRANCIA) Diane de Poitiers - Countess de Breze
1957.- Peyton Place (LA CALDERA DEL DIABLO) Constance MacKenzie
1958.- The Lady Takes a Flyer (ESE JUEGO QUE LLAMAN AMOR) Maggie Colby
1958.- Another Time, Another Place (VICTIMA DE SUS DESEO) Sara Scott
1959.- Imitation of Life (IMITACION DE LA VIDA) Lora Meredith
1960.- Portrait in Black (RETRATO EN NEGRO) Sheila Cabot
1961.- By Love Possessed (POSEIDOS POR EL AMOR) Marjorie Penrose
1961.- Bachelor in Paradise (UN SOLTERO EN EL PARAISO) Rosemary Howard
1962.- Who’s Got the Action? (SECRETO DE CASADA) Melanie Flood
1965.- Love Has Many Faces (EL AMOR TIENE MUCHAS CARAS) Kit Jordan
1966.- Madame X (MADAME X) Holly Parker
1969.- The Big Cube (TERRON DE AZUCAR) Adriana Roman
1971.- The Last of the Powerseekers (TVM) Tracy Carlyle Hastings
1974.- Persecution.- Carrie Masters
1976.- Bittersweet Love (AMOR DULCE Y AMARGO) Claire
1980.- Witches’ Brew.- Vivian Cross
1991.- Thwarted.- Margo Lane
Textos Relacionados:
El Cartero Llama Dos Veces a Lana Turner
...[Leer la nota completa]La Última Vez que Vi Paris en TV
“La Ultima Vez que Vi París” esta basada en el cuento “Babilonia Revisitada” de F. Scott Fitzgerald, publicado en 1930 dentro del grupo de historias breves que integran el volumen “Taps at Reville”, aunque en español circuló una edición con el título, precisamente, de “Babilonia Revisitada” y el guión se debe a los gemelos Julius J. y Philip G. Epstein, junto con el director Richard Brooks, siendo un gran éxito de público gracias a la presencia de la bella Elizabeth Taylor. La cinta pasará este lunes 30 a las 13.45 hrs. (tiempo de México) en TCM Classic Hollywood. En este mismo blog pueden encontrar un amplio comentario a la cinta en el archivo:
Liz Taylor y La Última Vez que Vi Paris
El fin de los tiempos, de terrorismo y mitos.
El fin de la humanidad es un tema querido por la ciencia-ficción clásica, ya lo hemos notado con el estreno de Soy Leyenda, pero lo que en el cine es más delicado es el pesimismo respecto de este final posible, y proviniendo de un director como M. Night Shyamalan resulta todavía más singular, especialmente cuando es la primera ve que el tema de la religión o la mística no ocupa el centro de atención para esta Fin de los tiempos.
Desde Sexto sentido este director nos confrontaba con los engaños de los sentidos, sobre la falsa naturaleza de la realidad a partir de los fenómenos de la mente infantil y no tanto, la indefinición real entre la vida y la muerte a partir de la relación que establecemos con el entorno, y ya con Mel Gibson como protagonista en señales hacía una reflexión acerca de la fe religiosa, de la necesidad de mística en la existencia cotidiana, y su confusión ante las realidades de la ciencia o del espectro de conocimiento que abre ante nosotros: la posibilidad de vida no terrestre que seamos incapaces de entender o de contactar humanamente.
Básicamente el tema central de este extraño director parece ser la naturaleza y función del misterio, una aproximación insólita al conocimiento a partir de lo que no es, de la incertidumbre ante los fenómenos del mundo que nos rodea, y así en este “acontecimiento” (porque es mucho más explícito el título en inglés, happening), un mundo que para el género de ciencia-ficción es una ilusión en la medida que algún accidente imprevisible puede transformar radicalmente a pesar de toda la buena voluntad que podamos tener, es así que Iserwood Williams (en La tierra permanece)o Francis Lawrence (en Soy Leyenda) enfrentan una catástrofe súbita que aniquila a la humanidad enfrentándolos a la soledad y el deseo de sobrevivir en sociedad, algo así es el centro motor de estas utopías negras donde el individuo se enfrenta a ser verdaderamente aislado y recapacitar sobre el valor de la comunidad. En la cinta de Shyamalan aparece la misma reflexión, aunque con matices demasiado actuales.
La aparición de una especie de síndrome de suicidio comienza a esquilmar a los habitantes del noreste de los Estados Unidos, la primera reacción es sospechar un acto terrorista: una prolongación de la paranoia nacional que después del once de septiembre vio en todas partes ataques con ántrax o cualquier otra arma biológica por todo el territorio norteamericano (incluyéndonos a nosotros y a Canadá); en la película la actitud oficial, o gubernamental si se prefiere, es recurrir a las medidas de evacuación y al consiguiente pánico masivo.
Hasta aquí Shyamalan parece satirizar sencillamente la política de terror que todavía permea la vida cotidiana de los estadunidenses, y lo hace de forma lenta y explícita hasta el punto de que apenas antes de fastidiarnos se convierte en un factor de horror ante la imposibilidad de actuar contra los efectos nocivos del miedo en individuos y en la masa, pero a través de sus personajes nos retiene en lo humano básico, en las pequeñas reacciones que nos permiten identificarnos con la situación y absorber su absurdo como una posibilidad no muy alejada de la realidad cotidiana.
Claro que lo curioso viene después; a diferencia de otras películas de misterio donde el nudo dramático se desliza hacia una solución del misterio, hacia el descubrimiento de las causas del mal presentado, en El fin de los tiempos comienza la acción de la mente humana sobre el medio: la reflexión sobre la naturaleza de la amenaza se transforma en una nueva ilusión, en una especulación gratuita que tiene mucho de pensamiento mágico o místico y poco de mentalidad racional, como promete el oficio del personaje principal, un maestro de ciencias (Mark Wahlberg) que en vez de observar y calificar el fenómeno que enfrenta cuestiona a los demás (sus alumnos) sobre lo que sucede y termina por aceptar las reflexiones ilógicas que hacen más aceptable la incongruencia de la situación.
Así es como nos enteramos de que pueden ser las plantas las culpables, de que el gobierno excluye toda utilización de una sustancia artificial para provocar el síndrome del suicidio, que ha llegado a la conclusión de que es un elemento “natural” el causante y no falta el científico de televisión que explica que las plantas deber ser capaces de emitir la sustancia que daña a los humanos, solo que jamás lo justifica lógicamente, tan solo es una más de las aseveraciones de locutor televisivo.
Para nosotros espectadores tan solo es un soplo de viento que reconocemos por el movimiento de las plantas y el ruido cuando silba entre ellas, o el vuelo de las cabelleras, lo demás es tan solo fruto de una comunicación inacabada entre los individuos, de una utilización del lenguaje equívoca e incompleta, una prolongación de las territorialidades individuales que llamamos reserva o timidez, pero en realidad es una educación que prepara a los individuos para reservarse y mantener la comunicación como un patrimonio útil para el dominio, para la auto conservación ajena a los otros.
El horror se acentúa por la breve utilización del Gore para ilustrar la enajenación por los medios: un noticiario transmite en directo cómo un tipo es devorado por leones en un zoológico y él mismo se entregó a ellos; en la confrontación de las situaciones y lo que de ellas dicen los participantes Shyamalan plantea lo que podría entenderse como una muestra de cual es el contenido del sentido común (dejándolo más con el significado de sensación que con el de razonamiento): una confusión de datos dispersos acerca de todos los sujetos que solo se unen mediante el sofisma de lo semejante.
Shyamalan se burla del ser humano del siglo XXI, de esa individuación furiosa que no concibe más tiem0po que el presente ni más persona que el Yo, que acepta la comunidad no como contrato social sino mercantil, que reserva todo compromiso más allá de la piel a un trato de intercambio, sea utilizando el sexo, los sentimientos, la profesión o las creencias, y todo lo hace con una ceguera de sí que no le ubica con los otros sino ante ellos, que cree a la naturaleza un ser independiente del humano y separada antológicamente de lo que somos, y al mismo tiempo se burla del misticismo porque desde la puerta del razonar anterior solamente es superchería y necesidad de confirmación a sus temores de estar indefenso ante el universo, de que hay que vencer a los demás para, cuando menos, no ser menor que los otros.
Pero también se burla de las creencias en general, de la necesidad de aceptar sin constatación racional acerca de los seres del mundo, de mantener una visión distanciada del universo tan solo porque no quiere comprender que los defectos que encuentra en ese universo están igualmente en sí, es un cine que se desenvuelve lenta y dolorosamente pero no para convencernos, sino para sensibilizarnos acerca de qué es la razón y cómo nos puede servir, es una protesta contra la trampa cerrada del postmodernismo que postula el absurdo como dominio universal y a ciertos hombres (los poderosos, desde luego) como controladores potenciales de todo, aunque el planeta entero esté probando lo contrario), quizá por ello Shyamalan aborda el absurdo de creer a las plantas enemigas del hombre que provocan su extinción.
Filmografía:
Fin de los tiempos, El. (The Happening). D. M. Night Shyamalan. Con: Mark Wahlberg, Zoey Deschannel, John Leguizamo. Guión: M. Night Shyamalan. Fotografía Tak Fujimoto. EUA. 2008.
Señales. (Signs). D. M. Night Shyamalan. Con: Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin. Guión: M. N. Shyamalan. EUA. 2002.
Sexto sentido. (The sixth sense). D. M. Night Shyamalan. Con: Bruce Willis, Haley Joel Osmend, Olivia Williams. Guión: M: N: Shyamalan. EUA. 1999.
...[Leer la nota completa]Los Sobornados en TV
“Los Sobornados” (The big heat) es un film estremecedor con una serie de personajes violentos y a la vez solitarios, los cuales van transitando amargamente por la vida, aferrados a una serie de relaciones ficticias e interesadas, en que todo presagia que terminarán mal por una u otra causa. En rigor sólo el afán de venganza de Debby Marsh tiene éxito al estar dispuesta a ofrendar su vida y, posible relación sentimental con Bannion, al matar a la viuda del corrupto Duncan, para que se pueda destapar la cloaca de la corrupción policíaca y la cual podrá ser vista este sábado 28 a partir de las 20.00 hrs. (Tiempo de México) en TCM Classic Hollywood. Para mayor información sobre este film consulte en este mismo blog el archivo:
...[Leer la nota completa]
Hambre de Venganza: The Man From Laramie
Lejano está ya el estreno de “Hambre de Venganza” (The man from Laramie,1955), conocida en España por su traducción literal del inglés “El Hombre de Laramie”, como para que las generaciones actuales de cinéfilos que se acerquen a ella, ya sea a través del DVD o de la televisión, sean impactados por la violencia visual de este western, considerado en su momento como el que marcaba derroteros e iba un paso adelante, en cuanto a la dosis de sadismo y saña que se podía mostrar en la pantalla, sin embargo a un cierto nivel, sobre todo temático, es indudable que sigue siendo una obra violenta en sí misma, sobre todo a partir de su contención, dejándola hacer erupción en momentos claves de la historia.
Rip Brown, el ideólogo del Poder Negro decía que “la violencia es tan norteamericana como un pastel de cerezas”, en tanto Philip Frenck en su libro “Westerns: las películas del oeste”, publicado en 1973, pero centrado en las películas realizadas del género en las décadas de los cincuenta y sesenta, “un western no violento es tan raro, tan inconcebible como una carnicería para vegetarianos. En el curso de las dos últimas décadas, no obstante, muchos westerns revelaron exagerada conciencia del modo en que se ganan el pan con manteca. Predican contra la violencia mientras se benefician o regodean con ella. Según la perspectiva desde la cual se encare el tema, podríamos hablar de una contradicción central del género, o de simple hipocresía. Los apologistas de las cualidades tradicionalmente sanas y catárticas del western se han sentido molestos por la inquietante violencia de películas que, de no ser por ese elemento perturbador, habrían aprobado totalmente. Sin embargo la verdad pura y simple es que, cuanto más serio es el enfoque de la violencia por parte del realizador, más probable es que su expresión quiebre las convenciones aceptadas del mundo del espectáculo, escandalizando al público e hiriendo la sensibilidad de los críticos liberales”.
Bastaría comparar las peleas festivas de los westerns de John Ford, con las de Anthony Mann para notar la diferencia entre lo “sano” de unas con la intensidad y saña de los puñetazos que se dan los personajes de “Hambre de Venganza”, en donde vemos como el heroe mannanio por excelencia James Stewart, termina molido a golpes, con una cámara filmando de cerca el brutal encuentro de Will (James Stewart) con Dave (Alex Nicol) avido de descargar su agresividad incontrolable con cualquiera, producto del desasosiego de saberse no apreciado por su padre Alec Waggoman (Donald Crisp) al no cumplir con las expectativas del tipo de hombre que se suponía debería ser.
“Hambre de Venganza” fue el último de los cinco westerns que realizaron juntos Anthony Mann y James Stewart y, aunque iniciaron un sexto que sería “Noche Trágica” (Night Pasaje), cuyo proyecto abandonó Mann cuando estaban a punto de iniciar su rodaje, de cierta manera “El Hombre de Laramie”, da unos pasos adelante en el tema de la venganza que esta presente en los cinco, resulta una especie de suma y toma de conciencia que esa huída de un terrible pasado, en constante y desgarradora lucha con demonios propios, no logrará ser redimida a través de la solución fácil de culminar su venganza, si antes no se ha reconciliado consigo mismo, por ello no le importará dejar escapar con vida a Vic (Arthur Kennedy), el hombre que vendió las armas a los indios con que fue ultimado su hermano menor y motivo de su viaje de más de 1,000 millas del Fuerte Laramie, al pueblo de Coronado, en Nuevo México, en busca de una supuesta justicia reparadora del “ojo por ojo”. Aunque igual se puede decir, en un final ambiguo, que sólo se esta limpiando las manos, al dejarlo a merced de los indios que traicionó, al no entregarles las demás armas que había pactado, Vic, venderles.
Lo cierto es que siguiendo las pautas de la tragedia shakesperiana Mann y sus guionistas, en el caso de “Hambre de Venganza” Philip Yordan, ahondan con enorme garra en la psique humana y como señala, con gran acierto Vicente Díaz en su texto “El Hombre del Oeste” publicado en internet: “Las tinieblas morales y la violencia (contenida o desatada) propias del género negro marcaron el estilo de Mann. Sus películas casi siempre han sido historias sencillas y ágiles, pero protagonizadas por seres complejos, siempre moviéndose en la penumbra, dudando entre hacer lo correcto o lo conveniente. Vamos, gente de verdad y nada heroica, al menos en el sentido monolítico de la palabra.”
”Si el cine de autor más injustamente babeado (no vamos a dar nombres) tratan sobre los conflictos psicológicos y morales a base de aburrir al personal con inacabables planos de gente mirando al vacío o imágenes tan alegóricas como incomprensibles, Mann explora los mismos recovecos y bordea los agujeros negros del alma sin tener que recurrir a memas poses intelectualoides y ofreciendo espectáculo y aventura. A eso se le llama Cine, y no vean si mola.” Y efectivamente si algo tienen los westerns y los films en general de Mann, es que con todo y su complejidad en el actuar de sus personajes, son antes que nada entretenidos y espectaculares, siendo un deleite su visión, a lo que cabría añadir el comentario de Vicente Díaz en relación a “Hambre de Venganza”: “La última colaboración del tándem, El Hombre de Laramie (1955), en el que se vuelve a explotar la faceta más ambigua y siniestra de Jimmy, aquí transformado en un antiguo soldado que llega a una ciudad de Nuevo Mexico en busca de venganza. El Hombre de Laramie mezcla investigación, encarcelamientos injustos, amor y explosiones de violencia gracias a una historia en la que dos líneas narrativas van convergiendo de manera brillante y que vueve a demostrar que aquel que controla las armas de fuego, detenta el poder, la ciega ambición y el odio. Todo un broche final para uno de los matrimonios profesionales más provechosos artísticamente en la breve historia del cine.”
Quim Casas en su abultado estudio “Mann: Itinerarios de Violencia y Tragedia”, publicado en tres partes en la revista Dirigido 265, 266 y 267 publicada en España, reproduce un fragmento de una entrevista que el guionista Philip Yordan le concedió a Bertrand Tavernier para el Cahiers Du Cinéma de febrero de 1962: “He intentado recuperar la pureza de los héroes de las tragedias antiguas, las tragedias griegas y, en este sentido, me he entendido perfectamente con Anthony Mann. He querido recrear una mitología trágica, dándole gran importancia al Destino, la Soledad, la Nobleza. Un hombre llega de no se sabe dónde –de Laramie pero, repito, Will no se siente de ningún lugar-, y tampoco sabemos a donde va, sólo que está desgarrado por las Furias y que busca desesperadamente la paz interior. He conjugado este tipo de héroe con un personaje típicamente americano, típicamente popular también (…) con el fin de evitar el maniqueísmo peligroso del Héroe que creyéndose infalible y poderoso, se permite juzgar a los que le rodean y de arrogarse el derecho a la vida y a la muerte”.
Es imposible, tratándose de “Hambre de Venganza”, no traer a colación la referencia de Andre Bazin, citada en casi todos los textos que sobre dicho filme se pueda uno encontrar, tanto en libros como en internet, en relación al uso del formato de cinemascope en boga en aquellos años y que mostraba ciertos problemas en su uso por parte de algunos directores, que no sabían que hacer con la pantalla ancha: “En la mayor parte de los westerns, e incluso en los de John Ford, por ejemplo, el paisaje es un marco expresionista en el cual se inscriben las trayectorias humanas. En los filmes de Mann es un ambiente. El aire mismo se separa de la tierra y el agua. Como Cézanne, que lo quería pintar, Anthony Mann nos quiere hacer sentir el espacio aéreo, no como un contenedor geométrico, un vacío de horizontes y horizontes, sino como una cualidad concreta del espacio. Su cámara cuando filma una panorámica, respira. De aquí el uso tan remarcable del cinemascope, que nunca es utilizado como un nuevo marco Simplemente, como el pez en un acuario más grande el cowboy está más a sus anchas en la pantalla grande. Si atraviesa el campo nuestro placer es doble, porque lo vemos dos veces más lejos”.
Claro que para poder disfrutar de la maestría de Mann en el uso del cinemascope es necesario conseguir el DVD con el formato original, pues si la ven en televisión, como puede ser este sábado 28 en que será proyectada a partir de las 14.30 hrs. (tiempo de México) en TCM Cinecanal Classic, se pierde bastante de su brillantez formal, al ser proyectado en pantalla plana, este western clásico.
Textos Relacionados:
Anthony Mann: cineasta de la fragilidad humana
James Stewart: arquetipo del norteamericano ideal,
...[Leer la nota completa]
Jack Lemmon: sus películas
Actor
Nació el 8 de febrero de 1925, en Newton, Massachusetts, Estados Unidos
Murió el 27 de junio de 2001, en Los Angeles, California, Estados Unidos (Cáncer)
Nombre de Pila: John Uhler Lemmon III
Estatura : 5′ 9″ (1.75 m)
Nominado al Oscar de Mejor Actor en SIETE ocasiones. Lo ganó en UNA. Nominado al Oscar de Mejor Actor Secundario en UNA ocasión y lo ganó.
1949.- The Lady Takes a Sailor (LA BELLA Y EL PULPO) (Sin crédito, extra) (Es un pintor al final de la película)
1954.- It Should Happen to You (LA RUBIA FENOMENO) Pete Sheppard
1954.- Phffft (Y FUERON FELICES) Robert Tracey
1955.- Three for the Show (SOBRA UN MARIDO) Martin ‘Marty’ Stewart
1955.- Mister Roberts (MISTER ROBERTS) Ens. Frank Thurlowe Pulver (Ganó el Oscar de Oscar de Mejor Actor Secundario)
1955.- My Sister Eileen (FALTAN HOMBRES) Robert ‘Bob’ Baker
1956.- You Can’t Run Away from It (EL IDILIO DEL AÑO) Peter Warne
1957.- Fire Down Below (FUEGO EN SUS LABIOS) Tony
1957.- Operation Mad Ball (¡MI NOVIA ES UNA TENIENTE!) Pvt. Hogan
1958.- Cowboy (COWBOY) Frank Harris
1958.- Bell Book and Candle (SORTILEGIO DE AMOR) Holroyd
1959.- Some Like It Hot (UNA EVA Y DOS ADANES) Jerry - ‘Daphne’ (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1959.- It Happened to Jane (LA VIUDITA INDOMABLE) George Denham
1960.- The Apartment (PISO DE SOLTERO) C.C. ‘Bud’ Baxter (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1960.- The Wackiest Ship in the Army (EL BARCO MAS LOCO DEL EJERCITO) Lt. Rip Crandall
1962.- The Notorious Landlady (MI BELLA ACUSADA) William Gridley
1962.- Days of Wine and Roses (DIAS DE VINO Y ROSAS) Joe Clay (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1963.- Irma la Douce (IRMA LA DULCE) Nestor Patou / Lord X
1963.- Under the Yum Yum Tree (EL PICARO SEDUCTOR) Hogan
1964.- Good Neighbor Sam (SAM EL SINVERGUENZA) Sam Bissel
1965.- How to Murder Your Wife (COMO ASESINAR A SU ESPOSA) Stanley Ford
1965.- The Great Race (LA CARRERA DEL SIGLO) Prof. Fate
1966.- The Fortune Cookie (POR DINERO, CASI TODO) Harry Hinkle
1967.- Luv (LUV) Harry Berlin
1968.- There Comes a Day (Cortometraje)
1968.- The Odd Couple (EXTRAÑA PAREJA) Felix Ungar
1969.- The April Fools (UN DIA EN DOS VIDAS) Howard Brubaker
1970.- The Out of Towners (FORASTEROS EN NUEVA YORK) George Kellerman
1971.- Kotch (FUEGO BAJO CENIZAS) (Extra, sin crédito) Fue la única película que dirigió Jack Lemmon.
1972.- The War Between Men and Women (GUERRA ENTRE HOMBRES Y MUJERES) Peter Edward Wilson
1972.- Avanti! (AVANTI: AMANTES A LA ITALIANA) Wendell Armbruster, Jr.
1973.- Save the Tiger (SUEÑOS DEL PASADO) Harry Stoner (Ganó el Oscar de Mejor Actor)
1973.- Wednesday (Cortometraje) Jerry Murphy
1974.- The Front Page (PRIMERA PLANA) Hildebrand ‘Hildy’ Johnson
1975.- The Prisoner of Second Avenue (PRISIONERO DE SI MISMO) Mel Edison
1976.- The Entertainer (TVM) Archie Rice
1976.- Alex & the Gypsy.- Alexander Main
1979.- The China Syndrome (EL SINDROME DE CHINA) Jack Godell (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1980.- Tribute (TODO MENOS PADRE) Scottie Templeton (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1981.- Musical Comedy Tonight II (TVM)
1981.- Buddy Buddy (COMPADRES) Victor Clooney
1982.- Missing (DESAPARECIDO) Ed Horman (Nominado al Oscar de Mejor Actor)
1982.- Stars Over Texas (TVM)
984.- Mass Appeal.- Father Tim Farley
1985.- Maccheroni (MACARRONES) Robert Traven
1986.- That’s Life! (ASI ES LA VIDA) Harvey Fairchild
1987.- Long Day’s Journey Into Night (LARGA JORNADA HACIA LA NOCHE) (TVM)
James Tyrone Sr.
1988.- The Murder of Mary Phagan ((TVM) Gov. John Slaton
1989.- Dad (DAD) Jake Tremont
1991.- JFK (JFK) Jack Martin
1992.- For Richer, for Poorer (TVM) Aram Katourian
1992.- Glengarry Glen Ross (1992) …. Shelley Levene
1993.- Short Cuts (VIDAS CRUZADAS) Paul Finnigan
1993.- A Life in the Theater (TVM) Robert
1993.- Grumpy Old Men (DOS VIEJOS GRUÑONES) John Gustafson
1995.- The Grass Harp (EL ARPA DE HIERBA) Dr. Morris Ritz
1995.- Grumpier Old Men (DOS VIEJOS MAS GRUÑONES) John Gustafson
1996.- Getting Away with Murder (UN ASESINO MUY ETICO) Max Mueller/Karl Luger
1996.- A Weekend in the Country (TVM) Bud Bailey
1996.- My Fellow Americans (COMPATRIOTAS/PRESIDENTE POR UN DIA)
President Russell P. Kramer
1996.- Hamlet (HAMLET) Marcellus
1997.- Out to Sea (FUERA DE BORDA) Herb Sullivan
1997.- 12 Angry Men (DOCE HOMBRES EN PUGNA) (TVM) Jurado Núm. 8
1998.- The Long Way Home (TVM) Thomas Gerrin
1998.- Puppies for Sale (Cortometraje) Pet Shop Owner
1998.- The Odd Couple II (LA EXTRAÑA PAREJA, OTRA VEZ) Felix Ungar
1999.- Inherit the Wind (HEREDARAS EL VIENTO) (TVM) Henry Drummond
1999.- Tuesdays with Morrie (LOS MARTES CON MORRIE)
2000.- The Legend of Bagger Vance (LEYENDAS DE VIDA) Narrador (Sin crédito)
Sidney Lumet: irregular y perseverante
“…el fondo de la cuestión a la que me enfrento desde el momento en que decido dirigir una película: puedo equivocarme. ¿Y qué? Correré el riesgo. Los críticos nunca lo hacen. Ni el público, si descontamos los ocho dólares que cuesta la entrada (…) ¿Y qué pasa si acierto? Entonces puede que haga otra película. Lo que me dará otra oportunidad de acertar o equivocarme. Y de dedicarme, una vez más, al mejor trabajo del mundo.”
Sidney Lumet
“Quienquiera que haga una película tiene derecho a su propia interpretación. He amado y admirado un montón de películas que sentía que trataban de algo distinto a lo que yo estaba viendo”.
Sidney Lumet
A lo largo de su carrera, el director Sidney Lumet, ha dado suficientes pruebas de su irregularidad para lograr obras acabadas y consistentes, al tiempo que no puede negarse su perseverancia en la búsqueda del gran tema, con un agudo sentido pragmático del momento, para ir a la moda y dar la sensación de estar a la cabeza en cuanto a contenidos controversiales, dentro del llamado cine de denuncia social, como podría ser su última e interesante realización “Antes Que el Diablo Sepa que Has Muerto” (Before the Devil Knows You’re Dead, 2007) que recién ha llegado a nuestras carteleras y al mercado del DVD.
Tenía curiosidad de verla, después de que mi sobrino político Jaime Casillas Ugarte, me regalara una copia en DVD, con la admonición: “todavía se defiende el viejito de Sidney Lumet: tiene garra y no esta ga gá, para sus años”. Efectivamente “Antes que el Diablo Sepa que Has Muerto”, no sólo nos impacta por su tema tan aparentemente crudo y malvado, como puede ser que dos hermanos, urgidos de dinero, planean el robo perfecto, que les permitirá salir de sus apuros económicos momentáneos, atracando el negocio familiar de sus progenitores: una joyería de clase media alta ubicada en un suburbio, el cual se convierte en un enorme fracaso al fallarles, sino también llama nuestra atención la forma de la narración, llevada a través de continuos flash backs, interrelacionando las diversas actividades de los personajes durante, antes y después del asalto, algo que ya había experimentado el director en algunos momentos de su filme “Tarde de Perros” (Dog day afternoon, 1975), pero sin la intensidad y uso reiterado que tenemos en “Antes que el Diablo Sepa que Estas Muerto”. Otro punto a favor de la película son las excelentes actuaciones de Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney y Marisa Tomei, que nos van metiendo en la piel de sus personajes, en particular los dos hermanos (Seymour y Hawke) que quedan atrapados en su forma equivocada de pretender arreglar su situación, inclusive terminamos por darnos cuenta que aunque hubieran tenido éxito, tarde o temprano se volverán a descarrilar por el enfoque y sentido que le han dado su vida. Lo de impresionar que dos hermanos atraquen a unos familiares, es en tanto se trata de personajes de clase media y clase media alta, cuando se supone que este tipo de criminalidad se da entre las clases bajas, según los parámetros hipócritas de la moral de Televisa y sus mujeres asesinas.
Y aunque Sidney Lumet se encuentra en fase de preparación de otra película titulada “Getting Out”, para ser filmada en el 2009, si por alguna circunstancia, derivada de su edad, no la llegará a realizar el cerrarla, indudablmente, con “Antes que el Diablo Sepa que Estas Muerto”, sería una brillante culminación para una filmografía de 44 títulos, iniciada en 1957 con “Doce Hombres en Pugna” (Twelve angry men).
Sidney Lumet cumple, este 25 de junio, ochenta cuatro años de haber nacido en Filadelfia, Pennsilvania, Estados Unidos, en 1924. Su padre era el actor de origen polaco judío Baruch Lumet y su madre la bailarina Eugenia Wermus. Con esos antecedentes no es de extrañar que debutara a los cuatro años en el Yiddish Art Theater de Nueva York, actuando al lado de su padre. Aunque hizo algunas apariciones como actor en el cine y en varias obras de teatro, pronto se canalizo, a mediados de los cuarenta, hacia la dirección teatral en obras del llamado circuito “off-Broadway”. Para 1950 lo tenemos en la CBS dirigiendo varios capítulos de series y algunos teleteatros, hasta debutar en cine con la realización del excelente drama “Doce Hombres en Pugna”, sobre las deliberaciones de un jurado, sobre la culpabilidad de un muchacho acusado de parricidio, a partir de un guión de Paddy Chayefsky, protagonizado por Henry Fonda.
Lumet pertenece a la llamada o conocida como primera generación de realizadores salidos de la televisión y que siguieron una carrera en el cine, entre los cuales se cuentan, por nombrar sólo a los más destacados y con una filmografía amplia, John Frankenheimer, Delbert Mann, Martin Ritt, Robert Altman y Arthur Penn. De los seis sólo Lumet y Penn están vivos, pero Penn desde el 2001 en que realizó una cinta para televisión no ha vuelto a tener actividad como director, lo cual convierte a Lumet en el único miembro activo de dicha generación con bastante acierto y lucidez, como lo podemos constatar viendo “Antes que el Diablo Sepa que Estas Muerto”.
Al releer lo que escribió Andrew Sarris sobre Sidney Lumet en su libro “El Cine Norteamericano”, editado en 1968, en el apartado dedicado a los directores que cataloga como de “Seriedad Forzada”, nos sorprende la agudeza de Sarris y la vigencia de su juicio, independientemente de que sólo se refiere a sus primeras doce de las cuarenta y cuatro películas, que ha realizado hasta la fecha, pero varios de los comentarios serían intercambiables para cintas posteriores a 1968. Nos señala Sarris: “A lo más la dirección de Lumet es un vehículo eficiente pero agradablemente impersonal. Sophia Loren y Tab Hunter salen mejor librados en ‘Esa Clase de Mujer’ (That Kind of Woman) que los más resueltos Anna Magnani y Marlon Brando en “El Hombre de la Piel de Víbora” (The Fugitive Kind). La moraleja es clara. A quienes son para guiar, Lumet los guiará y a los que son para guías, Lumet los seguirá. Le falta el temple del tirano del set, pero insiste en ser un monarca constitucional. Cuando sus temas son sólidos como en “Larga Jornada Hacia la Noche” (Long Day’s Journey into Night), sus servicios son valiosos; pero en la mayoría de los demás casos sólo su buen gusto innato lo salva de la mediocridad”.
“En los últimos cinco años Lumet ha tendido a ser un productor emprendedor y aunque sus filmes invariablemente tienen defectos, la sola variedad de ellos es en si una especie de diversión. “Limite de Seguridad” (Fail Safe) tiene mas gracia intencional que “Dr. Insólito” (Dr. Strangelove) involuntariamente, aunque hay algo maniaco e impresionante en su dirección de Walter Matthau y Fritz Weaver. “El Prestamista” (The Pawnbroker) bien puso haber sido subtitulado “Harlem Mon Amour” si Lumet hubiese visto el film con un poco de humor; pero no, el masoquismo de “El Prestamista” como el sadismo de “La Colina de la Deshonra” (The Hill) dependen en su ejecución de un temperamento sin humor. “Llamada Para el Muerto” (The Deadly Affair) es un triste ejercicio; “El Grupo” (The Group) es, a lo mas una mediocridad bien modulada y “Bye Bye Braverman” es tan valiente en su concepción como vulgar en su ejecución, pero aquí tambien Joseph Wiseman y Sorrel Brooke son maravillosos y George Segal profundamente conmovedor. Por desgracia Lumet no da señales de querer elevarse sobre las aspiraciones de la medianía y convertirse en el amo en vez de ser el payaso de la corriente actual que se aleja de Hollywood”.
No tiene caso continuar el análisis pormenorizado, a partir de donde lo dejó el crítico Andrew Sarris, sobre las otras 35 películas realizadas por Sidney Lumet, después de “Bye Bye Barverman”, pues sólo seríamos reiterativos, pues como lo señalamos al principio, si algo marca a la carrera de Lumet es su irregularidad, con una serie de títulos interesantes y logrados, mezclados con otros fallidos. En cierta forma los filmes más logrados son aquellos que de partida contaron con un guión bien estructurado y una serie de actores de primera línea, lo cual nos llevaría a considerar a Lumet, más una especie de director de orquesta, permitiéndoles brillar o aprovechando al máximo a sus “solistas”, antes que un “autor cinematográfico”, a la manera en que lo entendían los “cahieristas”, sobre todo si tomamos en cuenta que Lumet es de los directores considerados “profesionales” en Hollywood, lo cual significa ser alguien que sabe ajustarse al plan de rodaje, a los tiempos y ajustándose al guión, sin darse mayores libertades en el set.
Y como estamos desempolvando textos premonitorios sobre este realizador vayamos a uno de la reputada y lucida crítica Pauline Kael, sobre la filmación de la película “El Grupo”, recopilado en su libro “Kiss Kiss Bang Bang: El Tiempo del Cine”: “Para Lumet, el planeamiento de un filme incluye la posición de la cámara para cada toma, los lentes que se usarán y todos los detalles que los técnicos necesitan conocer. Rara vez mueve la cámara dentro de una toma: logra el ‘movimiento’ por medio de los actores que se desplazan en el cuadro y por la rápida yuxtaposición de las tomas. Durante la filmación, el director hace trabajar a los actores de modo que cada cual siga su propio ritmo, y trata de conferir una cierta sensación de vida –estimulando principalmente a los actores para que se proyecten con fuerza- a este plan mecanizado. El director con suficiente experiencia y confianza en sí mismo para enfrentar a un ejército de técnicos y experimentar o improvisar es un caso excepcional… ¿y qué empresa quiere a un hombre así si sus métodos significan pérdida de tiempo, y el tiempo es dinero? Realizadores brillantes y vigorosos como Sidney Lumet pueden conseguir sus efectos no mediante lo que acostumbrábamos a considerar como el arte del director de cine, sino ‘haciendo funcionar’ a los actores, esto es, dejándolos en libertad, y dando relieve a ciertas ‘grandes’ escenas de enorme fuerza: en momentos críticos, importantes, en escenas de acción exageradas y, en consecuencia, sorprendentes. Lumet no es tan vulgar como la mayoría de los nuevos directores cinematográficos con formación televisiva que se limitan a dejar a los actores gritando en un primer plano. Y a diferencia de muchos de ellos abiertamente presuntuosos, sabe que sólo está filmando un guión, que no está descubriendo las posibilidades del material y moldeándolo”. Y más adelante en su extenso análisis agrega Pauline Kael “Después de haber hecho nueve películas, Lumet –que es uno de los directores cinematográficos venidos de la TV más capaces y dúctiles- dirige todavía con un enfoque unidimensional. No sabe utilizar multitudes o detalles para trasmitir la ilusión de vida. Sus trasfondos son siempre un espacio vacío; ni siquiera es capaz de lograr que los actores principales se destaquen en medio de una muchedumbre. Si mueve la cámara, es sólo una forma de llamar la atención…para demostrar que puede hacerlo. Sólo desarrolla la acción en el primer plano de la TV, sin intrusiones siquiera, y aunque esto parece excelente cuando las películas se pasan después por la TV, representa básicamente una pérdida de todo el encanto y el ensueño del cine”.
Esa forma de filmar con primeros planos y en un espacio cerrado le dio excelentes resultados en su primer cinta “Doce Hombres en Pugna”, la cual se sigue sosteniendo en intensidad dramática, merced al conjunto de las buenas actuaciones de su reparto, entre los cuales estaban Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, Jack Warden y Jack Klugman. Algo similar puede decirse de “Panorama Desde el Puente” con Raf Vallone y Maureen Stapleton, amén de la fuerza del texto de Arthur Millar. Más allá de discusiones estériles sobre si es teatro filmado o no, es imposible no admirar el trabajo de Katherine Hepburn, Jason Robards, Ralph Richardson y en menor medida de Dean Stockwell en la adaptación de la obra de Eugne O’Neill “Larga Jornada Hacia la Noche”. “El Prestamista” sigue siendo estrujante y desgarradora, aunque mantengo mis dudas en cuanto a la labor de Rod Steiger, a quién a momentos me parece un gran actor y en otros estimo que esta en exceso grandielocuente, como si hubiera estado demasiado conciente de representar el “gran papel” de su vida. Pero sin lugar a dudas la historia de “El Prestamista” es amarga y al mismo tiempo fascinante, como para poder apartar la vista del drama de ese judío carente de toda esperanza, al cual el odio es lo único que lo motiva a mantenerse con vida. Y si estamos en el rasero de los excesivos que me dicen de Al Pacino en “Serpico” como el policía camufleado que investiga un crimen en la comunidad homosexual y que repetiría su numerito de “prima donna” de la actuación en “Tarde de Perros” (Dog Day Afternoon), pues si no soporta a Al Pacino, simplemente debe de olvidarse de estas dosm películas, que sin embargo están entre los trabajos interesantes de Lumet. “Poder que Mata” (Network) vale lo que el incisivo guión de Paddy Chavskey, destilando críticas acerbas a la manipulación de las noticias en la televisión, con un Peter Finch a sus anchas ofreciendo una actuación que le mereció un Oscar, otorgado unos meses después de su fallecimiento. En cuanto a denuncia sobre corrupción policiaca considero mas lograda “Príncipe de la Ciudad” (Prince of the city) a partir de un guión del propio Lumet, con Treat Williams en el único protagónico, prácticamente, recordable de su carrera. Las salas y los vericuetos de los juzgados fueron “pan molido” para Lumet, quien se ve a sus anchas en “El Veredicto” (The Verdict) con un Paul Newman desatado, ofreciendo todo su repertorio de gran actor, al servicio de un personaje que le viene como anillo al dedo y una Charlotte Rampling luciendo, como siempre, en sus roles de la dama fría y sensual, que atrapa en sus brazos al galán, para intentar destruirlo.
Sean Connery trabajo en cuatro ocasiones bajo las órdenes de Lumet, a saber “La Colina de la Deshonra”; “El Gran Golpe” (The Anderson Tapes); “Hasta los Dioses se Equivocan” (The Offence y “Negocios de Familia” (Family Buisness). Las tres primeras resultan inaguantables por el afán de Connery de ofrecer la gran actuación, con el agravante de que el tema de “Hasta los Dioses se Equivocan” es demasiado presuntosa en su intento de mostrar el lado oscuro de un policía, el cual asume el triple papel de investigador, delincuente y víctima. El guión está plagado de frases pensadas para los “bronces”, que solo motivan la risa, aunque resulta fastidiosa su visión. Si mucho me apuran, quizás, junto con “La Cita” (The Appointment) son lo menos recomendable de Lumet. En cuanto a la cuarta película de Connery o sea “Negocios de Familia” es lo más visible de Lumet y el impar James Bond, por tratarse de un thriller bien estructurado, sin mayores complicaciones de búsqueda de mensaje trascendente, con un Dustin Hoffman y Mathew Brorerick, haciendo un buen tercio de actuaciones, junto con Connery. “Una Extraña Entre Nosotros” (A Stranger Among Us) con Melanie Griffith como la policía encargada de investigar un crimen en la comunidad ortodoxa judía de los Hasidic, fue de los trabajos rescatables de los noventa, al igual que “El Lado Oscuro de la Justicia” (Night Falls on Maniatan) en que regreso a su tema tan caro de la corrupción policiaca, donde nos dio algunas de sal por otras de arena, resulta harto visible con Andy García en el rol principal y después de allí el nuevo campanazo nos lo ofrecería con “Antes que el Diablo Sepa que Estas Muerto”, a partir de un guión bien estructurado y un conjunto de excelentes actuaciones, que hacen recomendable la visión de este film. Sobre los demás filmes de Lumet es mejor guardar un discreto silencio, al final de cuentas solamente son la prueba de la irregularidad de este octogenario director que aún se mantiene en pie y con ánimos de ofrecer un nuevo trabajo en el 2009.
A Través del Universo: ¿De qué trataban Los Beatles?
Tengo para mí, como una verdad irrebatible e inamovible, que existe una relación de proporcionalidad directa entre el desastre bestial en que tenemos convertido al mundo hoy en día y el hecho de que cada vez menos personas (al menos en México) conocen a Los Beatles. Y piénsenlo si no, ¿qué clase de generaciones se nutrieron con la música de los “fab four”? ¿qué pensaban, que querían, que sentían, qué buscaban construir? Compárese esto con las generaciones que escuchan a Lupillo Rivera y al Chapo de Sinaloa y se tendrá una explicación mucho más coherente de las barbaridades que a diario ejecutamos contra la razón y la convivencia. No hay vuelta de hoja, Los Beatles nos dicen “todo lo que necesitas es amor”, mientras por acá nos dicen “que cada hombre que se cruce en tu camino sea un estúpido”, si bien la segunda frase tiene más posibilidades de ser real que la primera, también nos recuerda que en la actualidad hemos abandonado las posibilidades infinitas de la imaginación por la aridez de lo próximo, dejamos de habitar en el mundo en donde todo era posible para aterrizar en el país de la realpolitik , las conferencias de Miguel Angel Cornejo (o cualquiera que sea su versión actual), y el cine feo porque “la vida es fea”.
Quizás teniendo esto en mente, la directora de “A través del universo”, nos quiso volver a recordar de qué se trataba la cosa cuando germinaron Los Beatles, y de manera muy inteligente, no lo hizo a través de una de las consabidas biografías hechas para mostrar que fulanito “era de carne y hueso”, de hecho se va por la ruta alterna, los muchachos de Liverpool no aparecen jamás en escena, sus nombres nunca son mencionados, ni siquiera sugeridos, pero toda la película son Los Beatles. Y no solo se trata de sus canciones, que se suceden durante el filme, utilizadas como fragmentos de una larga narración (un largo y sinuoso camino, claro) de lo que era la vida cuando todavía se valía creer en algo, así ese algo fuera repentinamente traicionado, olvidado o lastimado, se trata de los mismos personajes, de las imágenes, del ambiente mismo que nos da cuenta de la grandeza de Los Beatles gracias precisamente a su ubicua ausencia.
Y aunado a eso, que ya era por sí misma una buena idea, la película, también de manera acertada, desde mi punto de vista, evita la tentación de la moraleja, las cosas vienen, las cosas van, pero no apunta con el dedo ni pretende señalar cual era “el buen camino”. Se trataba de reflejar una época, formas distintas de ver la vida que empezaban a despertar, y eso hace. No nos quiere dejar “un mensaje”, y gracias precisamente a ello, logra que nos pongamos a pensar un poco y a que logremos quizás producir algún mensaje nosotros mismos.
Bueno, para que no parezca que solo tengo cosas buenas que decir sobre la cinta, hay que hacer algunos apuntes de ciertas cosas que, sin ser abominables, si desafinan con la tonada. En particular me parece que algo de lo que más atora la película es la historia de la chica lesbiana, no sé si no se quiso tirar a fondo, no sé si era por evitar precisamente esa moralina de la que hablé arriba, pero el caso es la historia no llega a ningún lado. La niña es lesbiana, sufre, huye, sufre, huye, vuelve a sufrir y a huir, llega a un circo, es feliz y termina tocando el clavicordio (¿?). Es así de ilógico. Siento que la directora no supo que hacer con el personaje, pero no quiso desprenderse de un elemento “alternativo” para ampliar la ensalada de posiciones estereotípicas que es otro detallito de la película, el militar, la rubia, el negro, el rebelde, el artista, la lesbiana, en fin, los personajes a veces pecan un poquito de unidimensionales.
Por el otro lado, los puntos a su favor brincan, siendo el primero y el más obvio la música misma. Digo, son Los Beatles, hubiera visto la película si solamente se tratara de unos tipos cantando sus canciones con un ukelele (que por cierto, For you blue utiliza ese instrumento), pero ciertamente quedé muy a gusto con las interpretaciones, incluso con aquellas que fueron arregladas para entrar en el momento específico de la cinta. La música de Los Beatles es tan fiel reflejo de su propia época como es referente de posiciones atemporales, por eso cabe tan bien cuando se trata de darle color a un instante en el tiempo (los bailes ingenuotes de los 50’s) o cuando se trata de hablar de temas son válidos en todo momento (la intención detrás de “All you need is love”). Mención aparte merece desde este punto, la tremenda interpretación de Let it be por un coro y por supuesto, Come together con Joe Cocker.
Otro punto a su favor es precisamente la inclusión de este último en la cinta (de Bono todavía lo estoy dudando, sale haciendo de Bono, pero su interpretación es buena) así como el toque de utilizar parte de su versión de “With a little help from my friends” (la canción con la que empezaban “los años maravillosos”) junto a la versión original. Los detalles pequeños pero simpáticos de que los nombres de los personajes fueran nombres de canciones del cuarteto ([hey] Jude, Max[well’s silver hammer], Lucy[in the sky with diamonds], [sexy] Sadie, Jo Jo [get back], [dear] Prudence, [lovely]Rita, Dr. Robert), incluso la súbita aparición de frases y títulos de canciones donde menos se lo espera uno (en una escena, preguntan por donde llegó una chica, a lo que contestan “She came in trough the bathroom window [entró por la ventana del baño], otro título de Lennon- McCartney).
Ciertamente tengo que confesar que fue muy buena idea esperar para ver esta película en la comodidad y privacidad de mi casa, ya que así la única persona que padeció fue mi esposa, de haberla ido a ver al cine, me temo que me hubieran corrido a patadas, ya que no pude evitar estar cantando de principio al final de la película. Qué se le va a hacer, esas canciones tienen algo que va más allá de simple nostalgia de tiempos idos, el hecho de que yo no sea de aquella generación le da más peso a esa afirmación. No se trata nada más de seguir consecuentando a nuestra juventud perdida, como en el caso de los reencuentros de Menudo y Timbiriche (esos sí de mi generación) para poder volver a vender las mismas canciones, huecas del pequeño contenido que pudieron tener. Se trata, o al menos así lo entiendo, de intentar recuperar ese extra que estuvo latente durante toda esta época a nivel mundial, que se transminó en las canciones de Los Beatles y que hoy en día pareciera ser algo prohibido, o peor aún que prohibido, algo ridículo, lo que es más grave (lo prohibido lo queremos hacer para fastidiar a alguien, a lo ridículo no nos queremos ni acercar). Ese extra era la necesidad de vivir por algo, y que ese algo fuera algo más allá de uno mismo; la revolución, el amor y la paz, el sexo, las drogas y el rock `n roll, la imaginación al poder, en fin, ideas.
Hoy, que se pide evitar la “ideologización” para poder hablar de cosas serias (en donde cosas serias son negocios) y que se ha decretado la muerte por abandono de las utopías, resulta mucho más imperiosa la necesidad de recordar que no siempre ha sido así y que el mundo no es necesariamente un mejor lugar porque se hayan abandonado las posibilidades de pintar un mundo a la medida de todos. Resulta pues, imperioso, volver a escuchar a los Beatles, en lo que encontramos nuestra propia música de fondo (que no puede, no debe ser, por piedad, el reggaeton) y en lo que encontramos el valor para dejar de avergonzarnos por que el mundo puede tener remedio. Bien nos lo advirtieron hace un rato Paul, John, George y Ringo “ Think for yourself, ´cause I won´t be there with you” (piensa por ti mismo porque no estaré ahí contigo). Bueno, esta película nos los trae de regreso al menos un rato, habrá que verla para ver si en algo pensamos.
Yo a lo mejor ya pensé mucho.
¿y ustedes?
A Través del Universo (Across the universe, 2007) Director: Julie Taymor. Reparto Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther. Género: Romance. País de origen: Estados Unidos
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