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Archivo para May 2008
Cielo Amarillo con Gregory Peck en la TV
Este sabado 31 a las 16.15 hrs. (tiempo de México) pasará el excelente western “Cielo Amarillo” (Yellow Sky, 1948) dirigido por William Wellman, con Gregory Peck, Anne Baxter y Richard Widmark en los roles principales, recomendando su visión, no solamente para los fanáticos del western, sino para los cinéfilos en general, recordándole que si le fastidia el doblaje al español que nos endilga el canal de TCM Classic Hollywood, busque en el mercado del DVD una copia y disfrute de ella en su versión original. Mayores datos sobre este western encontrara en el archivo:
Cielo Amarillo: Western Psicológico
Lo que la tierra hereda: Broken lance en tv
En algunas entrevistas el director Edward Dmytryk, al referirse al magnifico western, titulado en México “Lo que la Tierra Hereda” (Broken lance, 1954), señala que fue la segunda película que se rodó utilizando el nuevo formato del cinemascope, lo que le llevó a realizar una serie de experimentos en la composición y puesta en escena, permitiéndole aprovechar al máximo las bondades de la “pantalla ancha”. Dichas bondades no será posible que la aprecien en su proyección en el canal de TCM Classic Hollywood este sábado 31 de mayo, cuando sea proyectada a las 14.30 hrs. (tiempo de México), pero si podrán disfrutar de un excelente western. Para mayores datos sobre film checar, en el blog el archivo:
Lo que la Tierra Hereda: Broken Lance; Lanza Rota
...[Leer la nota completa]Sydney Pollack: la búsqueda de la sugerencia
El polifacético cineasta Sydney Pollack con una amplia trayectoria como director y productor, al igual que actor, falleció el pasado lunes 26 en su casa de Pacific Paliseds, en Los Ángeles, California, después de que hace 10 meses se le diagnosticó un cáncer, que a la postre fue la causa directa de su muerte, conforme a lo informado por su familia.
Sydney Pollack nació el 1 de julio de julio de 1934 en Lafayette, Indiana, Estados Unidos, en el seno de una familia de inmigrantes rusos de origen judío. Su padre, David Pollack, alguna vez incursionó en el boxeo como profesional, pero a la poste se dedicó a atender una farmacia, en tanto su madre, Rebeca Millar se hacía cargo de las labores del hogar. Sus padres se divorciaron cuando Sydney, aun era muy joven. La madre se tornó alcoholica, muriendo a causa de ello a los 37 años, cuando el futuro director sólo contaba con 16 años de edad. Una vez que se graduó de High School en su natal Indiana, se mudó a Nueva York a estudiar actuación, entre 1952 y 1954, en The Neighborhood Playhouse School of the Theatre in New York, bajo la tutela del célebre Sanford Meisner, el cual, junto con Stella Adler y Lee Strasberg, forma el triunvirato de los grandes maestros de actuación del siglo XX, en el teatro estadounidense.
Pollack tuvo que servir durante dos años en el ejercito y la ser licenciado regresó al The Neighborhood Playhouse School of the Theatre in New York, donde comenzó a dar clases de actuación, sitio en el que conoció a la aspirante a actriz Claire Griswold, con la cual se casó el 22 de septiembre de 1958, manteniéndose unidos hasta la fecha, en que se ha convertido en su viuda. Procrearon a tres hijos: Steven que murió en un accidente de aviación en 1994; Rebeca que ha desarrollado actividades de productora ejecutiva en la United Artists y la menor Raquel que nació en 1969, sin actividad en la industria cinematográfica.
Debutó como actor en la televisión en una adaptación de la novela de Ernest Hemingway “¿Por Quién Doblan las Campanas?”, realizada en 1959 por John Frankheimer, en la cual hacía el pequeño papel de Andrés, el correo del general Golz. Jason Robards Jr. tuvo a su cargo el de Robert Jordan, que en cine hizo con mucha fortuna Gary Cooper. En el caso de Pollack la fortuna o la suerte estuvo en que trabó amistad con el director John Frankheimer, el cual lo tuvo como su ayudante en la realización de su película “Los Jóvenes Salvajes” (Young Savages, 1961) estelarizada por Burt Lancaster.
La relación con Frankheimer quién había hecho una sólida carrera en la televisión, le ayudó a introducirse en dicho campo, debutando como director en un episodio de la serie policíaca “Cain’s Hundred” en el episodio “King of the Mountain”. Entre 1961 y 1965 Pollack dirigió cerca de dos docenas de productos para la televisión, entre episodios de alguna serie y teleteatros. Inclusive su debut cinematográfico en 1965 fue, prácticamente, en una especie de teleteatro titulada “Con la Vida en un Hilo” (The Slender Thread, 1965) a partir de un guión del escritor para televisión Sterling Silliphat, en la cual Sidney Poiter era un voluntario en una clínica de ayuda telefónica, con quién habla Anne Bancroft, presunta suicida que se niega a darle su dirección, para que pueda alguien acudir a su casa a impedir que consume su acto de matarse. En el transcurso de la conversación van aflorando los sentimientos de frustración del personaje femenino, así como su racismo, sin saber que con quién esta hablando, al otro lado de la línea telefónica, es una persona negra. Independientemente de lo bien intencionada que sea la trama de “Con la Vida en un Hilo”, lo cierto es que, su debut cinematográfico, fue poco afortunado, en tanto que director novato decidió no arriesgarse en su puesta en escena y el recuerdo que guardó de ella es la haber estado ante un teleteatro filmado, completamente en interiores.
Su siguiente película “Una Mujer Sin Horizonte”This property is condemned, 1966) le llegó de rebote, una vez que John Huston abandonó el proyecto, al igual que otros dos o tres directores rechazaron la oferta. Se trata de la adaptación de la pieza de un acto de Tennesse Williams “This Property Is Condemned”, sobre la cual el dramaturgo exigió que en los créditos apareciera la leyenda que “había sido sugerida…”, en tanto que para darle la extensión de un largo metraje, los diversos guionistas, entre los que estuvieron Francis Ford Coppola, Fred Coe y Edith Sommer, por mencionar a los que se les acreditó su participación, tuvieron que utilizar elementos de otras obras de Williams. No se trata de una gran película, pero en cierta medida estimo que Pollock dio muestras de su sensibilidad romántica, que veremos desarrollada con mayor acierto en otros trabajos, sobre todo su forma para crear atmósferas evocativas, impregnadas de un buen gusto, que las hace recordables.
En “Una Mujer Sin Horizonte” dirige por primera vez a Robert Redford, con el cual mantenía una añeja amistad que databa del tiempo en que le dio clases en The Neighborhood Playhouse School of the Theatre in New York, al igual que habían debutado juntos, como actores en el cine en la interesante película de ambiente bélico “El Que Mató Por Placer” (War Hunt, 1961) dirigida por Denis Sanders, con John Saxon en el que quizás sea su mejor interpretación, como el psicópata soldado, cuya violencia se desborda del campo de batalla, sin poder controlarla.
La importancia de Robert Redford en la filmografía de Pollock esta fuera de toda duda, debido a que de las 20 películas que realizó, en siete de ellas el protagonista masculino es Redford, compuesta por “Una Mujer Sin Horizonte”; “La Ley del Talión” (Jeremiah Johnson, 1972); “Nuestros Años Felices” (The way we were, 1973); “Los Tres Días del Cóndor” (Three Days of the Condor, 1974); “El Jinete Eléctrico” (The Electric Horseman, 1979); “África Mía” (Out of Africa, 1985) y “Habana” (Havana, 1990). Siendo la más destacada de ellas “África Mía” por la que ganó el Oscar de Mejor Director y Mejor Película en 1985; pero de cierta forma no es una película de Redford, ya que quién lucía en el plano interpretativo era Meryl Streep.
Ya había mencionado líneas arriba que Pollock entro en relación con Burt Lancaster a través de John Frankheimer y fue el actor quién lo impuso como director del doblaje en inglés, en 1963, de “El Gatopardo” (Il gatopardo, 1963) lo cual le valió al realizador para ganar fama de intelectual en la meca del cine, al hacerse cargo de doblar la obra maestra del gran cineasta Luchiano Visconti. Más tarde, cuando Lancaster, quedó insatisfecho con el trabajo de Frank Perry en “El Nadador” (The Swimmer, 1968) le pidió a Pollock que filmara algunas escenas adicionales sin llevar crédito, involucrándolo, al mismo tiempo en su siguiente proyecto “El Camino de la Venganza” (The Scalphunter, 1968), un curioso y festivo western debido al guionista William Norton, en el cual ya percibimos la influencia de Sam Peckinpah en el tratamiento de la violencia, al igual que ciertos rasgos de humor que motivaron, una cierta mala interpretación del filme en el momento de su estreno, en cuanto a que parecía una sátira fallida. La que si fue una incursión fallida en el género bélico fue su cuarto filme “Los Temerarios” (Castle Keep, 1969) protagonizado, igualmente, por Burt Lancaster, una parábola o alegoría sobre la condición humana en la guerra, donde se enfrentan al comandante Abraham Falconer (Lancaster), quién tiene la orden de destruir un hermoso castillo en la campiña belga, que ha servido de cuartel a los alemanes, en el cual se encuentran una serie de obras de arte, en tanto el capitán Lionel Beckman (Patrick O’Neal), maestro de arte en la vida civil, trata de convencer, al soldado profesional de ignorar sus órdenes, en aras de preservar un patrimonio cultural de la humanidad. Si “Los Temerarios” falla no es tanto por sus intenciones de mensaje, sino por la manera tosca y su excesiva verbosidad en su planteamiento.
En cuanto a “Baile de Ilusiones” ( They Shoot Horses, Don’t They?, 1969) basada en la novela de Horace McCoy titulada, correctamente en español, “¿Acaso No Matan a los Caballos?), independientemente de la opinión de varios críticos que la sintieron cursi y sensibilera, para mi ese retrato de la sociedad americana durante la depresión, en que la desesperación llevaba a la gente a inscribirse, en este caso, a un concurso de maratón de baile, buscando obtener una magra recompensa, que le permitiera ganar un poco de dinero, me resulta conmovedora, sobre todo por las brillantes actuaciones de Jane Fonda y Gig Young. Creo que Pollock atina correctamente en ir creando la atmósfera de desolación del personaje de Jane Fonda, al cual al final, su compañero accidental de baile Robert (Michael Sarrazin), en un acto de caridad la mata, pues al igual que se sacrifica a un caballo que se quiebra una pata por no estar ya apto para la vida, habría que hacerlo con aquellos seres humanos que andan a la deriva, sin esperanza alguna, al estar, metafóricamente, quebrada su alma. “Baile de Ilusiones” es posiblemente amargo, pero al mismo tiempo romántico y sensible, en una adecuada adaptación de la novela de Horace McCoy, realizada por James Poe, al cual los productores le habían prometido que le dejarían debutar en la dirección con ella, pero algunas desavenencias en la preparación del rodaje los llevaron a entregarle el proyecto a Sydney Pollack, quién obtuvo su primera y merecida nominación al Oscar de Mejor Director, al igual que Jane Fonda fue nominada al de Mejor Actriz, Suzanne York al de Mejor Actriz Secundaria, al igual que James Poe y Robert Thomson fueron nominados al de Mejor Guión Adaptado, siendo también nominada en las categorías de Decoración, Edición, Adaptación Musical y Vestuario. El único que obtuvo una estatuilla fue Gig Young como Mejor Actor Secundario. De cualquier manera “Baile de Ilusiones” fue un éxito económico que consolidó a Sydney Pollack en el campo de la dirección cinematográfica.
Augusto M. Torres publicó en 1973 el libro “Nuevos Directores Norteamericanos”, bajo el sello de Anagrama en donde hace el siguiente comentario sobre Sydney Pollack: “Primero actor y luego realizador de televisión, debuta en el cine con ‘La Vida Vale Nada’ (Con la Vida en un Hilo), una moralizadora historia sobre una emisora telefónica anti-suicidio, dirigida por un negro, que no hace concebir la menor esperanza sobre su futuro; pero ‘Propiedad Condenada’ (Una Mujer sin Horizonte), adaptación de un texto de Tennesse Williams, aunque no era el interesante folletín que se hubiera podido obtener de él, muestra una serie de puntos a su favor. Ni ‘Camino de la Venganza’, ni ‘La Fortaleza’ (Los Temerarios), un western y una película de guerra respectivamente, que se pueden contar entre lo peor de ambos géneros, podían darle algún crédito. ‘Danzad, Danzad, Malditos’ (Baile de Ilusiones), sobre los años de la gran depresión económica vistos a través de un maratón de baile, y ‘Las Aventuras de Jeremiah Johnson’ (La Ley del Talión), un western que se acerca a la naturaleza, hacen pensar que, dentro de unos cuantos años, puede llegar a ser un buen realizador”.
Esta ya lejana la fecha en que vi, durante su estreno, “La Ley del Talión” (Jeremiah Johnson, 1972), un proyecto al que llegó Pollack por su amigo Robert Redford, el cual se rodó cerca de Sundance, en Utah, lugar de residencia del actor, que se vendría a popularizar con el ya imprescindible Festival de Sundance, promovido por Redford y apoyado, entre otros, por el propio realizador. Se trataba de un western en que un montañes decide alejarse de la civilización, para ir a vivir en comunidad con la naturaleza, sobre este film Antonio Castro en la revista Dirigido de octubre de 1977 nos comenta: “concebida en su primera parte como un documental sobre la forma de sobrevivir en condiciones como las del protagonista, el film ha cuidado extraordinariamente la exactitud de todos estos hechos, apartándose en cambio de la verdad histórica a la hora de narrar la biografía del protagonista”.
“Jeremiah Jonson quiere ser un proceso de conocimiento de un personaje y en este sentido resulta curiosa la planificación del film, con superabundancia de planos generales al principio, en que el personaje estaba perdido en la inmensidad de los paisajes, para ir progresivamente hacia una planificación más corta, conforme avanza el film, llegando en la parte final a abundar los planos medios, e incluso existir algún primer plano”.
“Como sucedía en ‘Camino de la Venganza’ con los negros y los blancos, en ‘Jeremiaj Johnson’, Pollack pretende no ser maniqueo en la visión de las diferencias blanco-indios, y trata de sustituir la mirada romántica por una mirada real. Así distribuye culpas por igual entre blancos e indios, a la vez que pretende dejar en claro que tanto los guerreros Crows como Jeremiah eran valientes, y se admiraban mutuamente, aunque tuvieran que combatirse”.
“Film curioso y contradictorio, enormemente sobre valorado, ‘Jeremiah Johnson’, que sólo en contadas ocasiones está a la altura de sus pretensiones, da fe al menos, de una cierta madurez estilística de Pollock, que ha abandonado la crispación y el barroquismo que caracterizaron a algunos de sus filmes precedentes”.
Para el siguiente film del tandem Pollack – Redford, fue el director quién busco los servicios del actor, quién se mostraba renuente a embarcarse en el proyecto de un melodrama político, sobre quince años en la vida de una pareja, donde la chica. Katie (Barbra Straisand) era un activista pro comunista, perteneciente a la clase baja, que tiene que trabajar para costearse sus estudios, y Hubell (Robert Redford) un joven atlético y bien parecido al cual las cosas se le dan con facilidad, amén de no querer comprometerse en política. En rigor la historia cubre tres etapas, la primera en 1937 con Katie tratando de convencer a sus compañeros de que deben de apoyar a los republicanos, en su lucha contra el franquismo y por extensión el fascismo nazi. A finales de la Segunda Guerra Mundial cuando ya se vislumbra la guerra fría, después de que los Estados Unidos han salvado a Europa del nazismo y la tercera es en plena guerra fría y la embestida del maccarthysmo contra todo aquél sospechoso de tener o haber manifestado ideas liberales. La novela y el guión del propio autor Arthur Laurents daba mucha mayor importancia al personaje de Katie, con sus ideas políticas muy concretas, mientras Hubell, era poco menos que un pretexto para tener una relación amorosa Katie con él. Lo anterior fue motivo de varios meses de charla de Pollock con Redford para convencerlo de aceptar participar en “Nuestros Años Felices” The way we were, 1973) y de discusiones con Laurent para que hiciera los cambios convenientes en el personaje de Hubell, tal y como Antonio Castro nos lo relata en su texto ya citado: “Pollack ha hablado de los problemas que tuvo con el guionista Arthur Laurents, defensor a ultranza de Katie, para dar al personaje de Hubell una mayor entidad –y de paso convencer a Redford para que hiciera él el filme, ya que el actor opinaba que no había suficiente papel y el propio Pollack afirmaba que ‘¿como pretender que un actor encarne con fuerza y sinceridad el papel de un hombre débil e indiferente?- y equilibrar un poco los personajes principales. Lógicamente el film se pretende un intento de explicación de la imposibilidad de convivencia entre dos Estados Unidos distintos, que durante años lograron coexistir sin excesivos problemas y que a partir de la postguerra entraron en crisis, para tener que seguir caminos diferentes a partir del Maccarthysmo y de la guerra de Corea”.
La primera versión de “Nuestros Años Felices” tenía una duración de más de 3 horas con quince minutos, la cual termino por reducir Pollack a 118 minutos en la versión que se estreno comercialmente y que resintió los cortes, aunque no tanto para no resultar una película interesante y sobre todo de las primeras que se atrevía a hacer una referencia explicita, además de crítica, a los años negros del maccarthysmo y la cacería de brujas en los Estados Unidos. “Nuestros Años Felices” se ha ido revalorando con el tiempo, dado que cuando se estreno causaba mucha molestia en buena parte de los espectadores, al ser todavía historia reciente y revivía una etapa dolorosa, sobre todo para todos aquellos que como dijera Orson Welles se callaron la boca ante tanta injusticia: “por estar defendiendo su derecho a poseer una alberca”.
“Operación Yakuza” (The Yakuza, 1975) es un thriller regular ambientado en Japón, con Robert Mitchum. Mientras que “Los Tres Días del Cóndor” (Three day of the condor, 1975) con Robert Redford y Faye Dunaway resulta entretenido, dentro de la onda de los thrillers de espionaje. En cuanto a “Un Instante…Una Vida” (Bobby Deerffield, 1977), al ser único de los filmes dirigidos por Pollack que no he visto, me limitaré a señalar que lo mismo encuentra uno críticas laudatorias como una gran “love story”, mientras otros la acusan de chabacana y rechazan en absoluto este film protagonizado por Al Pacino y Martha Kellerr. En cuanto a “El Jinete Eléctrico” (The Electric Horseman, 1979), western nostálgico, ubicado en la época actual, sobre una estrella del rodeo, interpretada por Redford, se queda en el plano de las buenas pero fallidas intenciones, con una Jane Fonda, en el plano de una poco convincente reportera, metida a redentora del jinete.
Un paso adelante significó la interesante “Ausencia de Malicia” (Absence of Malice, 1981) con Paul Newman y Sally Field, como una sólida crítica al periodismo amarillista, en que con tal conseguir la nota principal, no les importa dañar o destruir la reputación de una persona inocente. En “Ausencia de Malicia” Pollack se aleja de la reiteración explicativa de las conductas y su condena a ese tipo de periodismo en forma visceral, ofreciendo una serie de sólidos argumentos sobre la labor periodística, envuelta en una ingeniosa trama de acción policíaca, que hace que el espectador mantenga la atención, sobre lo que sucede en pantalla. Es un recomendable film para ser utilizado en las escuelas de comunicación, para propiciar debates sobre la ética del periodista.
Independientemente del lugar que ocupe en nuestro “hit parade” de las grandes comedias del cine norteamericano en el siglo XX, es indudable que en dicha lista no puede faltar “Tootsie” (Tootsie, 1982) con un insuperable Dustin Hoffman en el doble papel, por una parte del actor Michael Dorsey sin empleo, el cual sobrevive como camarero y como la exitosa Dorothy Michales, que consigue el papel de su vida en una telenovela, a la cual se le complica la existencia al enamorarse de su compañera de serie, la bella y encantadora Jessica Lange, que merecidamente ganó el Oscar de Mejor Actriz Secundaria por la dulce estrellita Julie Nicholas, la cual, ignorante de acto de travestismo de Michael, cuando se le acerca Dolores, le hace dudar de su sexualidad, al tiempo de que Dorothy es perseguida por su amiga Sandy (Tery Garr), esta sí de inclinaciones lesbianas. En tanto que el padre de Julie (Charles Durning) la busca con buenas intenciones. Hilarante comedia de humor sarcástico, con su buena dosis de mordacidad y sutil crítica a varias muestras de la cultura pop de los ‘80. Alguien la ha comparado, por su ritmo frenético y de ir, de una a otra situación, sin parar de reír, con la obra maestra de Billy Wilder “Una Eva y Dos Adanes” (Some lik it hot, 1959) estelarizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon, parangón que no se me hace tan desencaminado.
En términos de crítica y de premios “África Mía” (Out of Africa, 1985) es el gran hito de Sydney Pollack, al obtener el Oscar de Mejor Película y Mejor Director, por esta esplendida historia de amor, protagonizada por Meryl Streeo y Robert Redford y de la cual Augusto M. Torres en su libro “El Cine Norteamericano en 130 Películas” editado en 1992, nos señala sobre “Memorias de África” título que se le dio en España lo siguiente: “El punto de partida de ‘Memorias de África” son las novelas autobiográficas ‘Lejos de África’ (1937) y ‘Sombras en la Hierba’ (1960) de la baronesa Karen Blixen y la biografía publicada en 1982 por Judith Thurman que pone de moda al personaje. Nacida en Dinamarca, se casa en 1914 con su primo BROS Blixen-Finecke y se van a África a dirigir una plantación de café, pero su marido le contagia la sífilis y no tardan en separarse. Finalizada la experiencia africana, vuelve a su país a mediados de los años 20, comienza a publicar cuentos con el nombre de Isak Dinesen y consigue su primer éxito con el volumen ‘Siete Cuentos Góticos’ (1934)”.
“El guión de ‘Memorias de África’ está articulado en torno a un ‘flash-back’, donde una mujer mayor escribe sus recuerdos de la mejor época de su vida mientras ve nevar a través de la ventana, lo que da pie para la existencia de una voz en ‘off’ que subraya determinados momentos de la narración”.
“Dentro de una ligera intriga, la historia se centra en el amor de Karen Blixen (Meryl Streep) por el cazador Denys (Robert Redford) a través de mínimos incidentes, como pueden ser la repercusión de la Gran Guerra en Kenia, el viaje a Dinamarca para curarse de la sífilis con arsénico, su amistad con los kikuyus y su criado Farah, el incendio que destruye la plantación y la arruina. Así como la entrevista con el nuevo gobernador, una vez que ha decidido volver a su país, para intentar que devuelvan a los kikuyus las tierras que les han arrebatado, el accidente de aviación donde pierde la vida Denys y su entierro”.
‘Memorias deÁfrica es una película romántica que cuenta el itinerario espiritual de una mujer y su amor por el cazador Denys, un personaje que solo se menciona en una ocasión en los libros autobiográficos de Karen Blixen y nunca se le nombra. Rodada con gran cuidado y exquisito gusto por un Sydney Pollack que ha aprendido mucho y está en su mejor momento, es la más redonda de sus películas”.
Su última colaboración con Redford se da en 1990 cuando realizan “Habana” (Havana, 1990) fallida historia romántica, con ribetes o influencias de la mítica “Casablanca” (Casablanca, 1943) de Humphrey Bogart, ambientada en el año de 1959 en la Cuba de Batista, semanas antes de la toma de la Habana, por parte de las fuerzas revolucionarias de Fidel Castro y el Che Guevara. A pesar de la excelente recreación de la época, simplemente nunca logra funciona o arrancar como una fogosa historia de amor, quizás en parte por la poca gracia de Lena Olin como la mujer que debe de hacerle perder la cabeza a Redford.
El thriller “La Firma” (The Firm, 1993) basado en la exitosa novela de John Grisham, no pasa de resultar entretenida y un mero divertimento artificioso, a pesar de su sólido reparto encabezado por Tom Cruise, Gene Hackman, Jeanne Tripplehorn, Holly Hunter y Ed Harris, entre otros.
A pesar de que a mis hijos les hice ver la versión de 1954 de “Sabrina” (Sabrina), dirigida por Billy Wilder, con Humphrey Bogart, Audrey Hepburn y William Holden, ellos insisten en preferir el remake realizado por Sydney Pollack en 1995 con Harrison Ford, Julia Ormond y Grez Kinnear, mientras que yo me inclino por la de Wilder. Reconozco que este cuento de hadas, fue correctamente trasladado a la época de la realización de la nueva versión y mantiene el tono agradable de comedia fina, que seguramente ya estaba en la pieza original de Samuel Taylor y en el guión de Wilder, Taylor y Ernest Lehman, que se utilizo con ligeras variaciones y adecuaciones por parte de David Rayfiel y Barbara Benedek, por lo que no insistiré en mi voto nostálgico, para echarle tierra a esta agradable comedia.
Sin llegar al arrebatamiento o al delirio romántico “Caprichos del Corazón” (Random Hearts, 1999) logra mantenerse como un sólido melodrama, sobre como afecta a las personas el descubrir la infidelidad de su pareja. Kay Chandler (Kristin Scott Thomas) es una congresista y William van den Broeck (Harrison Ford) es un sargento de la policía, los cuales no se conocen, pero una tragedia les llevará a hacerlo. Al morir en un accidente de aviación, sus respectivos cónyuges, irán descubriendo que ellos eran amantes y cada uno irá asimilando y reaccionando de diferente forma, ante tal verdad, tratando de hurgar en sus sentimientos y averiguar en que fallaron en la relación con su pareja, al tiempo que Kay y William se van sintiendo atraídos, un tanto por la desesperación y otro por la recuperación o, quizás un sentimiento vago de venganza. No es el gran drama, pero si es una interesante historia de amor y de búsqueda del corazón.
La sola presencia de la bella y talentosa Nicole Kidman es razón más que suficiente para disfrutar del thriller “La Intérprete” (The interprter, 2005), último film de ficción de Pollack, quien dejó en fase de terminación el documental “Sketches of Frank Gehry”. Efectivamente “La Intérprete” no es la gran cinta de suspenso, pero resulta bastante entretenida, con todo y su ambientación en varios sitios de la ONU, a los que con muchas trabas se le dio permiso al director de utilizar.
Sin una extensa filmografía Sydney Pollack nos ha legado varias de excelente calidad, como “Ausencia de Malicia”; “Tootsie” y “África Mía”, que rozan los linderos de obras maestras. Algunas muy buenas como “Baile de Ilusiones”; “Nuestros Años Felices”; “Caprichos del Corazón” y “La Ley del Talión”. Otras interesantes y dignas de revisar como “Una Mujer sin Horizonte”; “El Camino de la Venganza”; “Los Tres Días del Cóndor” y “Sabrina, aparte de aquellas que ustedes quieran agregar en nuestra arbitraria selección, pero indudablemente Pollock supo impregnar a sus películas un buen gusto, atmósfera romántica y una gran dosis de sugerencia, sobre las intenciones de sus personajes, que hacen atendible y trascendente su cine, como para recordarlo y, mejor dicho, revisar su obra.
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Director, Productor, Actor
Nació el 1 de julio de 1934, Lafayette, Indiana, Estados Unidos
Murió el 26 de mayo de 2008, en Pacific Palisades, Los Ángeles, California, Estados Unidos (Cáncer)
Nombre de Pila: Sydney I. Pollack
Estatura: 6′ (1.83 m)
DIRECTOR
1965.- The Slender Thread (CON LA VIDA EN UN HILO)
1966.- This Property Is Condemned (UNA MUJER SIN HORIZONTE)
1968.- The Scalphunters (EL CAMINO DE LA VENGANZA)
1968.- The Swimmer (EL NADADOR) (Sin acreditar)
1969.- Castle Keep (LOS TEMERARIOS)
1969.- They Shoot Horses, Don’t They? (BAILE DE ILUSIONES) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1972.- Jeremiah Johnson (LA LEY DEL TALION)
1973.- The Way We Were (NUESTROS AÑOS FELICES)
1974.- The Yakuza (OPERACION YAKUZA)
1974.- Three Days of the Condor (LOS TRES DIAS DEL CONDOR)
1977.- Bobby Deerfield (UN INSTANTE…UNA VIDA)
1979.- The Electric Horseman (EL JINETE ELECTRICO)
1981.- Absence of Malice (AUSENCIA DE MALICIA)
1982.- Tootsie (TOOTSIE) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1985.- Out of Africa (AFRICA MIA) (Ganó el Oscar de Mejor Director)
1990.- Havana (HABANA)
1993.- The Firm (LA FIRMA)
1995.- Sabrina (SABRINA)
1999.- Random Hearts (CAPRICHOS DEL DESTINO)
2005.- The Interpreter (LA INTERPRETE)
2005.- Sketches of Frank Gehry (Documental)
Cantando bajo la lluvia en la televisión
“Cantando bajo la lluvia” (Singing in the rain) fue realizada en 1952, por Stanley Donen y Gene Kelly, la cual se ha convertido con el paso del tiempo, en el clásico de clásicos de la comedia musical norteamericana. “Cantando bajoen la lluvia” responde exactamente al famoso reclamo publicitario de la Metro-Goldwyan-Meyer de los años cuarentas: “That’s is entertainment” (Esto es entretenimiento) con el cual se quería decir al público que, una película salida de los estudios del “león”, era una cinta que toda la familia podría ver y disfrutar, tal y como lo hará usted en el canal de TCM Classic Hollywood miércoles 29 en su horario de matinee de las 12.00 hrs. (tiempo de México). Para mayores datos sobre esta gran película checar en este mismo blog el archivo:
...[Leer la nota completa]Billy Wilder: sus películas
Director, Guionista
Nació el 22 de junio de 1906, en Sucha, Galicia, Austria-Hungría (Ahora es Sucha Beskidzka, en Polonia)
Murió el 27 de marzo de 2002, en Los Angeles, California, Estados Unidos (Neumonía)
Nombre de Pila: Samuel Wilder
Nominado en OCHO ocasiones al Oscar de Mejor Director, ganándolo en DOS. Nominado al Oscar de Mejor Guión en DIEZ ocasiones lo Ganó en TRES ocasiones
Director:
1934.- Mauvaise graine.- (Firmó como Billie Wilder)
1942.- The Major and the Minor (LA PICARA SUSU)
1943.- Five Graves to Cairo (CINCO TUMBAS AL CAIRO)
1944.- Double Indemnity (PACTO DE SANGRE) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1945.- Death Mills (Cortometraje)
1945.- The Lost Weekend (DIAS SIN HUELLA) (Ganó el Oscar de Mejor Director)
1948.- The Emperor Waltz (EL VALS DEL EMPERADOR)
1948.- A Foreign Affair (LA MUNDANA/BERLIN OCCIDENTAL)
1950.- Sunset Blvd. (EL OCASO DE UNA VIDA) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1951.- Ace in the Hole (CADENAS DE ROCA) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1953.- Stalag 17 (INFIERNO EN LA TIERRA) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1954.- Sabrina (SABRINA) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1955.- The Seven Year Itch (LA COMEZON DEL SEPTIMO AÑO)
1957.- The Spirit of St. Louis (EL AGUILA SOLITARIA)
1957.- Love in the Afternoon (AMOR EN LA TARDE)
1957.- Witness for the Prosecution (TESTIGO DE CARGO) (Nominado al Oscar de Mejor Director)
1959.- Some Like It Hot (UNA EVA Y DOS ADANES)
1960.- The Apartment (PISO DE SOLTERO) (Ganó el Oscar de Mejor Director)
1961.- One, Two, Three (UNO DOS TRES, LOS PELIGROS DEL AMOR)
1963.- Irma la Douce (IRMA LA DULCE)
1964.- Kiss Me, Stupid (BESAME TONTO)
1966.- The Fortune Cookie (POR DINERO, CASI TODO) 1970.- The Private Life of Sherlock Holmes (LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES)
1972.- Avanti! (¡AVANTI!: AMANTES A LA ITALIANA)
1974.- The Front Page (PRIMERA PLANA)
1978.- Fedora (FEDORA)
1981.- Buddy Buddy (COMPADRES)
Guión:
1929.- Teufelsreporter, Der
1930.- Menschen am Sonntag
1930.- Burschenlied aus Heidelberg, Ein
1931.- Mann, der seinen Mörder sucht, Der
1931.- Ihre Hoheit befiehlt
1931.- Weitensprünge (Argumento)
1931.- Falsche Ehemann, Der
1831.- Princesse, à vos ordres!
1931.- Emil und die Detektive
1932.- Where Is This Lady? (Argumento)
1932.- Un peu d’amour
1932.- Happy Ever After
1932.- Un rêve blond
1932.- Sieger, Der
1932.- Es war einmal ein Walzer
1932.- Blonder Traum, Ein
1932.- Scampolo, ein Kind der Straße
1932.- Blaue vom Himmel, Das
1933.- Madame wünscht keine Kinder (Adaptación)
1933.- Was Frauen träumen
1933.- Madame ne veut pas d’enfants
1933.- Adorable (Argumento “Ihre Hoheit Befiehlt”)
1934.- Mauvaise graine
1934.- One Exciting Adventure (Remake de su historia de la película alemana Was Fraue Trauman)
1934.- Music in the Air (Su primera colaboración en un guión en Hollywood, firmó como Billy Wilder) (Hollywood todos sus guiones los escribió en colaboración con alguien)
1935.- Emil and the Detectives (Sin crédito)
1935.- Under Pressure (COMPAÑEROS DE LA MUERTE)
1935.- The Lottery Lover (LOS CADETES DEL AMOR)
1937.- Champagne Waltz (VALS CHAMPAÑA)
1938.- Bluebeard’s Eighth Wife (LA OCTAVA MUJER DE BARBA AZUL)
1938.- That Certain Age (SUEÑO DE JUVENTUD)
1939.- Midnight (MEDIANOCHE)
1939.- Ninotchka (NINOTCHKA) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1939.- What a Life (CABEZA DE TURCO)
1940.- Rhythm on the River
1940.- Arise, My Love (LEVANTATE, MI AMOR!
1941.- Hold Back the Dawn (LA PUERTA DE ORO)
1941.- Ball of Fire (BOLA DE FUEGO)
1942.- The Major and the Minor (LA PICARA SUSU) (También la dirigió)
1943.- Five Graves to Cairo (CINCO TUMBAS AL CAIRO) (También la dirigió)
1944.- Double Indemnity (PACTO DE SANGRE) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión Adaptado)
1945.- The Lost Weekend (DIAS SIN HUELLA) (También la dirigió) (Ganó el Oscar de Mejor Guión Adaptado, junto con Charles Brackett)
1948.- The Emperor Waltz (EL VALS DEL EMPERADOR) (También la dirigió)
1948.- A Foreign Affair (LA MUNDANA/BERLIN OCCIDENTAL) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1948.- A Song Is Born (NACE UNA CANCION) (La historia “From A to Z”)
1950.- Sunset Blvd. (EL OCASO DE UNA VIDA) (También la dirigió) (Ganó el Oscar de Mejor Guión, junto con Charles Brackett y D.M. Marshman
1951.- Ace in the Hole (CADENAS DE ROCA) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1953.- Stalag 17 (INFIERNO EN LA TIERRA) (También la dirigió)
1954.- Sabrina (SABRINA) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1954.- Emil und die Detektive (Remake de su película alemana Emil und die Detektive)
1955.- The Seven Year Itch (LA COMEZON DEL SEPTIMO AÑO) (También la dirigió)
1957.- The Spirit of St. Louis (EL AGUILA SOLITARIA) (También la dirigió)
1957.- Love in the Afternoon (AMOR EN LA TARDE) (También la dirigió)
1957.- Witness for the Prosecution (TESTIGO DE CARGO) (También la dirigió)
1959.- Some Like It Hot (UNA EVA Y DOS ADANES) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1960.- Ninotchka (TVM)
1960.- The Apartment (PISO DE SOLTERO) (También la dirigió) (Ganó el Oscar de Mejor Guión, junto con I.A. Diamond)
1961.- One, Two, Three (UNO, DOS TRES, LOS PELIGROS DEL AMOR) (También la dirigió)
1963.- Irma la Douce (IRMA LA DULCE) (También la dirigió)
1964.- Kiss Me, Stupid (BESAME TONTO) (También la dirigió)
1966.- The Fortune Cookie (POR DINERO CASI TODO) (También la dirigió) (Nominado al Oscar de Mejor Guión)
1970.- The Private Life of Sherlock Holmes (LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES) (También la dirigió)
1973.- Double Indemnity (TVM)
1944.- Avanti! (¡AVANTI! AMANTES A LA ITALIANA) (También la dirigió)
1974.- The Front Page (PRIMERA PLANA) (También la dirigió)
1978.- Fedora (FEDORA) (También la dirigió)
1981.- Buddy Buddy (COMPADRES) (También la dirigió)
1982.- Witness for the Prosecution (TVM)
1995.- Sabrina (SABRINA)
Piso de soltero: The apartment
Cuando el director Billy Wilder fue entrevistado, para promover el estreno de su filme “Piso de Soltero” (The Apartment, 1960), se le preguntó si era un drama o una comedia, simplemente respondió: “No encaja en ninguna categoría específica. Es un filme que intenta decir algunas cosas pertinentes acerca de de la sociedad en que vivimos, en este año de Payola, 1960”. Para agregar “No es realmente una comedia. Azucaramos la historia con algunas risas aquí y allí. Pero lo que queríamos decir en ella, definitivamente era: los seres humanos son seres humanos”.
Algo que el patético personaje de C.C, Baxter (Jack Lemmon) lo va a descubrir, casi de manera trágica, cuando tiene que asumir su mediocridad y lo sórdido de sus motivaciones serviles, las cuales le llevaron a prestar su apartamento, para los encuentros furtivos de las relaciones extramatrimoniales de algunos de sus jefes de la oficina de seguros, donde trabaja. Más que la jocosa ironía de Wilder, con carreras desenfrenadas y un ritmo vertiginoso al estilo de la bullante y festiva “Una Eva y Dos Adanes” (Some like it hot, 1959), lo que tenemos en “Piso de Soltero” es una especie de otra cara de la moneda, en cuanto a asumir la comedia con ese humor agridulce, en el que quizás encontramos muchas risas en su primera parte, pero también una tristeza o risa congelada que aflora conforme Baxter, va perdiendo la inocencia sobre su conducta hasta tomar conciencia de haber sido solo utilizado, cuando suponía era quién utilizaba a los otros en su ascenso al éxito. Su punto de quiebre inicia en el momento en que después de atreverse a intentar realizar una aproximación romántica a la ascensorista Fran Kubelik (Shirley MacLaine), a la cual considera pura y diferente a las otras chicas de la compañía, que están dispuestas a acostarse con sus superiores, para mantener el empleo, termina por descubrir que ella esta inocentemente enamorada de J.D. Sheldrake (Fred MacMurray) su jefe, que estado utilizando la cama de su apartamento para acostarse con la chica que ama.
La escena en que Baxter se da cuenta de que Fran se acuesta con el jefe, es uno de los mejores momentos cinematográficos de “Piso de Soltero”. Baxter le ha entregado a Sheldrake una polvera con espejo que la chica ha dejado en su apartamento, sin que en ese momento Baxter sepa aún de quien se trata. Le hace la observación de que el espejo está roto. Un poco después se da la fiesta de navidad en la oficina, Baxter convence a Fran de que le acompañe a su cubículo, a tomar un trago juntos, entonces Fran saca la polvera para retocarse el rostro y Baxter sin proferir palabra alguna, con un simple primer plano a su rostro, el director Billy Wilder, logra que Jack Lemmon trasmita el derrumbamiento de su ilusión amorosa. La escena se completa, más adelante, cuando están Baxter y Fran en el apartamento, después del intento de suicidio de Fran , ella toma el espejo para mirarse y Baxter le hace la observación: “El espejo… se ha roto”. Fran le responde: “Ya lo sé, me gusta así. Así me veo tal y como me siento”. Ese dialogo le es suficiente a Wilder, para subrayar el estado anímico de Fran, la cual ha terminado de convencerse de haber sido una más de las chicas que se mienten a sí mismas, con el cuento de que ese hombre casado, si va a estar dispuesto a abandonar a su esposa, para casarse con ellas, que son especiales. Fran ha descubierto que es simplemente una más de esas chicas seducidas y abandonadas, cuando dejan de ser novedad para el hombre, que les prometió el oro y el morro… “Piso de Soltero” va mostrando y cuestionando el sinnúmero de engaños que nos impone una sociedad o que nosotros mismos nos imponemos, a partir de basar nuestro éxito en la ambición de conseguir dinero, estatus y reconocimiento a cualquier precio.
Glenn Hopp en su libro sobre la filmografía completa de BillyWilder, publicado por Taschen,, al tratar esta película nos señala: “Su tierno núcleo, las preocupaciones del corazón en las que Wilder ya conseguía centrarse más plenamente, insiste en que lo intangible y huidizo importa más, que la autoestima suele esquivarnos hasta que alguien nos acepta tal como somos, y que al perderla es cuando más apreciamos nuestra integridad. Metafóricamente, el subtítulo del filme podría ser ‘Como recuperar la virginidad’. Reconquistar la integridad, por muy manchada que esté, significa un paso más en la madurez, autoestima y amor. La evolución de Jack Lemmon consiste en convertirse en persona, en un ser humano completo”.
El crítico Hollis Albert atinó cuando la definió como “un cuento de hadas, aunque un cuento sucio”, en tanto que Wilder hace que su personaje de Baxter no siga su camino, sino que se redima a través del amor, en un final optimista, en tanto que a pesar del pesimismo mostrado por Wilder, en la mayoría de sus comedias, sobre la conducta humana, es capaz de ofrecer como posibilidad el cambio, el saber detenerse, tal y como lo percibió Louis Gianetti en una crítica, a la cual hace referencia Glenn Hopp en su ya citado libro, sobre el personaje de Lemmon: “Es a la vez un tonto y un oportunista, víctima y victimizador. Pero al final, prefiere ser una persona antes que un cerdo. Es el retrato del ganador que Wilder hace del perdedor, con más clase de la que imagina”.
Por su parte Hilario Rodríguez en un texto sobre la cinta, publicado en el dossier “La Comedia Clásica Americana” publicado en la revista “Dirigido” número 322 nos comenta: “Billy Wilder es uno de esos genios a quienes se recuerda por lo que han ofrecido al espectador, jamás por lo que todavía le ofrecerán en el futuro. Sus filmes siempre han descrito verdades demasiado inmediatas como para esperar que sobrevivan demasiado tiempo. Cuando casi nadie trascendía ciertos moldes narrativos en Hollywood, él hizo madurar de repente a sus personajes cinematográficos y los convirtió en verdaderos adultos en mitad de un jardín de infancia. Le dijo a Estados Unidos quienes eran en realidad los estadounidenses. A veces lo hizo de forma mesurada y otras lo hizo de forma desatada. Pero además de eso, casi nunca dejó secretos para ser descifrados en el futuro, que apelen a lo esencial del ser humano o que describan al mundo en nuevos términos a como el mundo se describe ante la mirada cada día. (…) Lo que le confiere su singularidad a ‘El Apartamento’ es que nunca cae en los excesos dialécticos de su director y aun así contiene el alcance de sus más despiadadas críticas, eso sin contar con su melodramático humor, plago de chistes que se saludan con lagrimas y no con risas”.
Billy Wilder dice que la idea de hacer una cinta sobre un alcahuete que presta su casa, para que otros tengan relaciones clandestinas en ella, le nació cuando vio el excelente melodrama inglés de David Lean “Lo que no fue” (Brief encounter, 1946) en el cual Trevor Howard y Celia Jhonson buscan con desesperación a alguien que les preste un cuarto, para poder tener su breve encuentro, hasta que logran que un tipo se los facilite. En “Lo que no fue”, dicho personaje aparece de manera incidental, pero a partir de allí Wilder comenzó a elucubrar que pensamientos y que actitud tomaba ese tipo, al saber que su casa estaba siendo utilizada para hacer el amor, hasta que logró plasmarla en “Piso de Soltero”.
“Piso de Soltero” también fue malinterpretada en el momento de su estreno, al ser vista por algunos críticos como un filme de crítica social, que hacía un retrato despiadado del mundo de las empresas y de la manera en que los empleados tenían que comportarse si querían tener éxito en el mundo de los negocios capitalistas. Interpretación que dio pie a una anécdota que el director cuenta en su libro de memorias “Nadie Es Perfecto”, escrito en colaboración con Hellmuth Karasek, la cual sucedió cuando estuvo en Berlín en el rodaje de su desternillante comedia “Uno, Dos, Tres: Los Peligros del Amor” (One, two, three, 1961): “Me invitaron a pronunciar una pequeña conferencia en Die Möwe. Die Möwe era el local de los artistas de Berlín Este, cerca del teatro Brecha, en Schiffbaurdamm, una sala ‘guillermiana’, llena hasta los topes, en la que después de la guerra, se organizaron primero los encuentros culturales germano-soviéticos. Más tarde se convirtió en el punto de encuen de la escena cultural del Berlín Este. Se proyectó mi película ‘Piso de Soltero’, los invitados, funcionarios de la cultura soviéticos, gente del cine y del teatro de la República Democrática Alemana de entonces, de Polonia y de la Unión Soviética, aplaudieron. Antes, por la tarde, ya había estado con Audrey (su esposa) en uno de esos locales, en la que entonces se llamaba Stalin-Alle, donde ya a mediodía te servía un camarero vestido de frac y tocaba una orquesta. Cuando tocaron ‘Alexander’s Ragtimeband, de Irving Belin, Audrey se levantó y dijo:”
“-This is the famous componer Irving East East.”
“Así pues, por la noche hubo un gran aplauso después de ´Piso de Soltero’. Fui ensalzado como un crítico social, como alguien que ha desenmascarado el mundo capitalista del mercado y de los empleados en el que cada uno se veía obligado a venderse. Me levanté y hablé. Dije que lo que mostraba en ‘Piso de Soltero’ en realidad podía pasar en todas partes: tanto en Tokio, como en Londres, en París como en Munich. Sólo había una ciudad en el mundo donde una cosa así no podía suceder, en Mposcú. Aplausos halagados de los invitados en Die Möwe. En Moscú no podría suceder –seguí yo- porque a Lemmon le habría resultado imposible alquilar allí su apartamento, ya que tendría que compartir la vivienda con otras tres familias. Confuso silencio”.
Y efectivamente más que cine de denuncia social, estamos ante algo más simple, pero quizás más descarnado y patético: una acerba crítica a la condición humana, en que con tal de tener, se pierde el ser. La búsqueda de reconocimiento a través del dinero, lleva al individuo a realizar y humillarse hasta lo indecible, como Baxter en “Piso de Soltero” la cual fue la cinta a la que mayor número de Oscar se le otorgaron de las realizadas por Wilder, en una entrega, al recibir cinco en la correspondiente a 1960: el de Mejor Película; Mejor Director; Mejor Guión Original para Wilder y I.A.I. Diamond; Mejor Decoración para Alexandre Trauner y Edward Boyle y Mejor Edición Daniel Mandell. Igualmente fue nominada en las categorías de Mejor Actor Jack Lemmon; Mejor Actriz Shiley MacLaine, Mejor Fotografía Joseph La Shelle y Mejor Sonido Gordon Sawyer. Y que estimo se mantiene vigente, tal y como ustedes lo podrán percibir este martes 27 en que será proyectada en el canal de TCM Classic Hollywood a partir de las 21.35 hrs. (tiempo de México).
...[Leer la nota completa]Richard Brooks y la labor de guionista en Hollywood
Nota del Editor: El analista y crítico cinematográfico Paul Mayersberg publicó, en 1967, en su natal Inglaterra el libro “Hollywood: The Haunted House”, editado en España por Anagrama en 1971 con el título de “Hollywood: la casa encantada”, en el cual nos ofrece un interesante acercamiento al sistema de producción de Hollywood, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, en que va desglosando los diferentes elementos creativos que se conjunta para realizar una película.
Entre ellos esta el capítulo dedicado a los guionistas, bajo el título de “La Gran Readaptación”, en el cual dedica una buena parte a analizar la labor de Richard Brooks, en su faceta de guionista y la manera en que este percibía su trabajo a principios de los cuarenta, dándonos una visión muy clara sobre su labor y el cual no he resistido la tentación de reproducirlo en in-extenso, esperando que los motive a buscar la obra de Paul Mayersberg que recientemente ha sido reeditada.
La Gran Readaptación
Paul Mayerserg
“-Tenía dos grandes éxitos en cartel al mismo tiempo en Broadway. Hasta a Nathan le gustaban. Popular y satírico. Los críticos esperaban de él que escribiera esa gran comedia americana.
-¿Y que le ocurrió?
-Hollywood.”
Budd Schulberg, The Disenchanted.
La diferencia fundamental entre un autor de novelas y un autor de guiones radica en que el novelista escribe para sí y para un público abstracto, con su editor a guisa de intermediario, mientras que el guionista trabaja para un productor, para un estudio o en el mejor de los casos para un director. El guionista de Hollywood no es un hombre aislado, que trabaja a sus horas, que mantiene un criterio personal y decide sus propios objetivos. Es un empleado a sueldo de una empresa. Trabaja en una oficina y durante un número determinado de horas. Puede cobrar una remuneración por un trabajo concreto o estar en nómina. A un novelista se le enjuicia al editarse su obra. A un guionista se le enjuicia en route hacia el texto final, y se le puede despedir antes de que haya llegado a esta fase. Un escritor carece en Hollywood casi por completo de poder, a menos de que consiga mostrarse persuasivo en las reuniones de trabajo si se halla entre personas que confíen en él y respeten su opinión, lo cual es muy poco frecuente. Richard Brooks, actualmente uno de los primeros guionistas-directores de Hollywood, autor de “Blackboard Jungle” (Semilla de Maldad), “Elmer Gantry” (Ni Bendito, Ni Maldito) (que le valió el Oscar a mejor guión adaptado) y “Lord Jim”, nos cuenta sus comienzos, una historia muy corriente en Hollywood:
“Me instale en Los Ángeles al objeto de escribir guiones cortos para la radio. Mi ritmo era de un argumento diario, lo cual resultaba un poco absurdo porque ¿quién es capaz de escribir un argumento diario? Quedé agotado después de un año y de 250 guiones. No se me ocurría nada nuevo y empezaba a repetirme. Y pensé que no estaría mal trabajar en una película. Todas las personas que conocía relacionadas con el cine parecían ganar mucho dinero y ser felices”.
“Bien, pregunté como podría introducirme en el cine. Un día alguien me dijo que había concertado una cita para mí en la Universal. Esto era en 1941. Fui allí y el productor me dijo: ‘Tenemos un guión pero el diálogo no es muy bueno, así que nos gustaría que alguien le dé unos toques inteligentes y arregle los diálogos’. Pregunté cuánto pagaban. ‘¿Qué quiere cobrar?’ me preguntaron. En la N.B.C. me pagaban 125 dólares por cada cinco guiones, así que contesté: ‘1,500 dólares semanales’. El productor saltó: ‘Está usted loco. Ni yo cobro esa cantidad. Ya le diré algo’.
“No volví a saber de él. Pasaron diez días, dos semanas y empecé a preocuparme porqué tenía varias cuentas pendientes de pago. Le telefoneé para preguntarle: ‘¿Cuánto podría pagar?’. ‘150 por semana’. Acepté. Bueno, por fin tenía un encargo. En ocho días lo terminé. Era una película con Jon Hall, María Montez y Sabú, dirigida por Arthur Lubin y titulada, me parece, ‘The White Savage’ (La Salvaje Blanca). Al volver a Nueva York en tren, leí una crítica de esa película perdida entre un montón de críticas. Había un personaje en la película que se llamaba Tamara. ‘¿Cómo te encuentras hoy, Tamara?’. Eso es todo lo que decía la crítica”.
“En 1942 un buen día recibí una llamada de la Universal. Era otro productor. Me dijo: ‘Usted trabajo en aquella película con aquellos tres grandes actores que rodamos aquí. Tuvo mucho éxito’. ‘No vi esa película’, contesté. El hombre continuó: ‘Bueno, tenemos a esos tres mismos grandes actores, Jon Hall, María Montez y Sabú, pero nos hace falta un guión. Tiene que salir un desierto’. ‘Bien, hay algún desierto aquí en los Estados Unidos’. ¿Oh, no. Nada de indios ni de cowboys. Eso está muy visto. Dígame el nombre de un desierto’. ‘¿El desierto del Sahara?’. ‘No, eso es la legión extranjera, se ha hecho mil veces. Dígame otro desierto’. ‘¿Australia?’. ‘Bueno, ¿quiénes son los nativos?’, preguntó. ‘Los australianos, creo. No lo sé’. ‘¿Qué dice? No, no. Me refiero a los malos. Los nativos?’. ‘Mire, no sé, habrá algunas tribus o algo’. ‘¿Negros?’, insistió. Comprendí que el asunto no ofrecía el menor interés, pero dije: ‘Bueno, habrá gente de color, sí’. ‘¡Ni hablar! Nada de problemas raciales. Dígame otro desierto’. ‘¿China?’, ‘The Good Herat (Madre Tierra)…dejémoslo correr’. Apunté: ¿India?’. ‘No está mal, pero no tenemos a nadie inglés en el reparto. ¿A quién podríamos poner? Pero esto es política, de todos modos. Hay un montón de problemas en la India’… Esta vez abandoné los desiertos y propuse: ‘¿Qué le parece Turquía? Hay un desierto ahí’. ‘Interesante. ¿Quiénes son los malos?’. Le confesé: ‘No conozco la historia de Turquía, espere un momento. No sé aún quienes son los malos?. ‘No se preocupe, yo se lo diré. Usted ocúpese de escribir un argumento’, me cortó”.
“Busqué varios ejemplares del Nacional Geographical Magazine, leí artículos sobre Turquía y descubrí un tema muy interesante. Después de la Primera Guerra Mundial se trató de emancipar a la mujer, liberarla de velos y esas cosas, e introducir nuevas costumbres. Estupendo para María Montez. Escribí un argumento y se lo envié al productor. Dos días después sonó el telefóno: ‘Me ha dado usted un chasco, amigo’. ‘De qué se trata’. Me preguntó entonces ‘¿Dónde están los rifeños?’. ‘¿Los rifeños? No hay rifeños en Turquía’. ‘No, no. No entiende lo que quiero decir. Me refiero a los jinetes de las chilabas blancas’. Insistí: ‘No hay rifeños en Turquía’. ‘Está usted como una cabra’. ‘Hay un cónsul turco aquí en Los Ángeles. ¿Por qué no lo llamamos?”. Al día siguiente se presentó un joven bien parecido, de negro bigote, de unos treinta o treinta y dos años. ‘Esto puede ser una gran cosa para su país’, le explicó el productor. Todos los productores dicen eso. ‘Queremos hacer una película sobre Turquía, etc. Ahora díganos usted ¿quiénes son los malos’. ‘No comprendo a que se refiere’. ‘Hablo de los nativos’. ‘Los turcos’. ‘Pero, ¿no tienen problemas con alguien’. En este momento, sí’. El productor exclamó dando un salto: ‘¿Y con quién tienen problemas?’ ‘Hay una tribu, los kurdos, que ha provocado una revuelta en el desierto’. ‘¿Kurdos? No suena mal eso’. Se volvió a mi para decirme: ‘Bueno, hijo. Nos quedamos con el desierto de África del norte. ¿De acuerdo? No hay problema. ¿Ve como había rifeños ahí? Escriba un argumento’.
“Volví a los ejemplares del Nacional Geographic, etc. Descubrí otro tema interesante. Cuando se planteó la construcción del canal de Suez, hubo que decidir cuál sería el recorrido más corto. Dos paquebotes zarparon de la India, uno que daba la vuelta por el cabo de Hornos y otro que, supongo iba a Port Suez. La partida se cargaba entonces en una caravana con caballos y camellos hacia Alejandría, y de allí en dirección de Londres. Esta última llegó a su destino tres semanas antes que la otra. Pensé que el recorrido de Port Suez a Alejandría podría ser atractivo. La Pony Express, ¿sabe? Sabú podría montar a caballo. Escribí el argumento y se lo hice llegar al productor”.
“Dos días más tarde: ‘Me ha dado usted un chasco, hijo’. ‘¿Algo no va bien?’ ‘¿Dónde están los rifeños?’. Contesté: ‘Hay rifeños en África pero no tuvieron nada que ver con el canal de Suez’. ‘Se lo voy a demostrar’, me dijo. Vimos entonces ‘Suez’, aquella película con Tyrone Power y Annabella. En el segundo rollo aparecían seis individuos de chilaba blanca que dinamitaban el cana. ‘¿No se lo decía yo?’, exclamó el productor muy satisfecho. Se fue, pero yo me quedé viendo el resto de la película, y resultó que los individuos no eran rifeños sino ingleses disfrazados de rifeños que volaban el canal porque eran los franceses quienes lo construían. Así se lo expliqué al productor. Éste murmuró: ‘Bueno, vamos a telefonear al jefe’. Porque, ¿sabe?, no era más que el productor, y había otro productor por encima suyo. Le dijo: ‘Jack, tengo aquí un argumento muy bueno. Tal vez tendríamos que preparar un guión’. Y Jack con su increíble vozarrón, una de esas voces que hacen inútil el teléfono, rugió: ‘Bien, ¿hay algo que la fulana pueda hacer’. Se refería a María Montez. ‘Oh, sí, monta a caballo, monta en camello, va tapada con velos, es formidable. Sabú muere como un héroe. Jon Hall es herido pero lleva el correo a tiempo. Es como la Pony Express, pero en África’. Y Jack (callaré su nombre) preguntó: ‘¿Y en que época pasa ese argumento?. ‘Antes de que se construyera el canal de Suez, Jack’, respondí. Y Jack insistió: ‘¿Y dónde diablos esta eso?’. Me levanté y me alisté en la infantería de marina”.
Después de la guerra –continua Mayerberg- Richard Brooks volvió a escribir para el cine, pero en otro tipo de películas. Durante la guerra escribió una novela titulada ‘The Brick Foxhole’, que adquirió el productor Mark Hellinger y fue llevada al cine con el título de “Crossfire”. Brooks apreciaba y admiraba a Hellinger, y trabajó como guionista para él en “The Killers”, “Brute Force” y “Naced City”. En 1951 publicó una novela inspirada en cierto modo por el carácter y la vida de Hellinger titulada “The Producer”. Más tarde Brooks empezó a trabajar como guionista-director para la Metro-Goldwyn Mayer, después de haber colaborado con John Huston en “Key Largo”, adaptación de la obra de Maxwell Anderson con Humphrey Bogart y Lauren Bacall. La carrera de Brooks es una típica historia de cómo se llega al éxito en Hollywood, aunque el fracaso es mucho más típico en Hollywood que el éxito. El único camino que virtualmente se le abre a< un guionista para conseguir trabajo en las películas que le interesan es el de hallar un patrocinador que simpatice con él. Brooks, tuvo la suerte de encontrar ese hombre en Mark Hellinger, y en una fase lo bastante temprana de su carrera como para permitirle un rápido ascenso”.
Los problemas de Richard Brooks se resolvieron al convertirse en guionista-director, y luego en guionista-productor-director. Pero de hallarse en el caso del guionista que no puede hacer otra cosa, suponiendo que eso le sea posible, escribir, ¿quién albergaría alguna esperanza en la autonomía de Brooks? (Aunque, forzoso es decirlo, Brooks tiene un superior, el estudio que promueve la financiación de su película.) La mayor parte de los guionistas de Hollywood entra dentro de esta categoría.
Hasta aquí este fragmento extraído del interesante libro de Paul Mayersberg.
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...[Leer la nota completa]Tennessee Williams: sus películas*
Dramaturgo
Nació el 26 de marzo de 1911 en Columbus, Mississippi, Estados Unidos
Murió el 25 de febrero de 1983 en Nueva York, Estados Unidos
Nombre de Pila: Thomas Lanier Williams
Nominado en UNA ocasión al Oscar de Mejor Guión Adaptado, sin ganarlo.
1950.- The Glass Menagerie (SIEMPRE AMANECE OTRA VEZ) (Guión)
1951.- A Streetcar Named Desire (UN TRANVIA LLAMADO DESEO) (Guión) 56. Senso (1954) (additional dialogue) (Nominado al Oscar de Mejor Guión Adaptado)
1955.- The Rose Tattoo (LA ROSA TATUADA) (Guión)
1956.- Tranvía llamado Deseo, Un (Película para televisión realizada en Argentina a partir de su obra “A Streetcar Named Desire”)
1956.- Baby Doll (MUÑECA DE CARNE) (Historia y Guión original para cine)
1958.- Cat on a Hot Tin Roof (UN GATO SOBRE EL TEJADO CALIENTE)
1959.- Suddenly, Last Summer (DE REPENTE, EN EL VERANO) (Guión)
1959.- The Fugitive Kind (EL HOMBRE EN LA PIEL DE VIVORA) (A partir de su obra “Orpheus Descending”) (Guión) screenplay)
1961.- Summer and Smoke (VERANO Y HUMO)
1961.- The Roman Spring of Mrs. Stone (PRIMAVERA ROMANA) (Adaptación de su novela)
1962.- Sweet Bird of Youth (EL DULCE PAJARO DE LA JUVENTUD)
1962.- Period of Adjustment (DEL MATRIMONIO AL AMOR)
1963.- Zoo di vetro, Lo (Versión para televisión realizada en Italia de su pieza “El Zoologico de Cristal)
1964.- The Night of the Iguana (LA NOCHE DE LA IGUANA)
1965.- Mooney’s jongen huilt niet (Versión para televisión realizada en Bélgica)
1966.- This Property Is Condemned (UNA MUJER SIN HORIZONTE)
1966.- Ten Blocks on the Camino Real (Versión para televisión) (Guión)
1966.- The Glass Menagerie (Versión para televisión)
1967.- Glasmenageriet (TVM) (Historia)
1968.- Portret van een madonna (Versión para televisión)
1968.- Boom (EL ANGEL DE LA MUERTE) (Su pieza “The Milk Train Doesn’t Stop Here Anymore”) (Guión)
1968.- Hilsen fra Bertha (TVM de su pieza “Hello from Bertha”)
1969.- Glassmenasjeriet (Versión para televisión realizada en Noruega)
1969.- Glasmenagerie, Die (Adaptación de su novela para la televisión alemana)
1970.- Dragon Country (Versión para televisión de su historias “I Can’t Imagine Tomorrow”, “Talk to Me Like the Rain” and “Let Me Listen”)
1970.- Last of the Mobile Hot Shots (HERMANOS DE SANGRE) (Su pieza “Seven Descents of Myrtle”)
1973.- Lasinen eläintarha (Versión para la televisión de Finlandia de su pieza “The Glass Menagerie”)
1973.- The Glass Menagerie (Versión para televisión)
1974.- The Migrants (TVM sobre una historia de T.W.)
1976.- Háblame como la lluvia (Cortometraje realizado en México)
1976.- Sprich zu mir wie der Regen (Corto metraje realizado en Alemania por Douglas Sirk a partir de la pieza “Talk to Me Like the Rain”)
1976.- Eccentricities of a Nightingale (Versión para TV)
1976.- Cat on a Hot Tin Roof (UN GATO SOBRE EL TEJADO CALIENTE) Versión para televisión que tuvo distribución en video en México, con Laurence Olivier, Robert Wagner y Natalie Word en los papeles principales) Guión)
1977.- Sirça kümes (Versión para televisión realizada en Turquía sobre su pieza “The Glass Menagerie”)
1979.- Bourbon Street Blues (Cortometraje realizado en Alemania por Douglas Sirk sobre la pieza del mismo nombre)
1981.- Linje lusta (Versión para la televisión sueca de su pieza “A Streetcar Named Desire”)
1984.- A Streetcar Named Desire (UN TRANVIA LLAMADO DESEO) (Versión para televisión que tuvo distribución en video en México, con Ann-Margret como Blanche Dubois)
1985.- Cat on a Hot Tin Roof (UN GATO SOBRE EL TEJADO CALIENTE) (Versión para televisión con distribución en video en México con Jessica Lange)
1986.- Noir et blanc (Historia, sin crédito)
1987.- The Glass Menagerie (SIEMPRE AMANECE OTRA VEZ)
1989.- The Drift (Versión para televisión de su novela “The Roman Spring of Mrs.Stone”)
1989.- Sweet Bird of Youth (TVM (Con Elizabeth Taylor como Alexandra del Lago)
1990.- Vreemde liefde, Een (Versión para la televisión alemana de su pieza “The Strangest Kind of Romance”)
1990.- Wagons Full of Cotton (Historia para televisión a partir de su guión de “Baby Doll)
1990.- Orpheus Descending (TVM)
1993.- Suddenly, Last Summer (TVM)
1994.- Pokoj u trati (Cortometraje checo a partir de su pieza “The Strangest Kind of Romance”)
1995.- A Streetcar Named Desire (TVM)
2001.- The Yellow Bird (Cortometraje dirigido por Faye Dunaway, a partir de su pieza del mismo nombre)
2003.- The Roman Spring of Mrs. Stone (TVM) 2003) (TV) (novella)
2004.- Akale (Realizada en la India a partir de su pieza “Glass Menagerie”)
Nota: Se sobrentiende que se trata de su obras teatrales originales y solo se señala si también estuvo a cargo de la adaptación)
...[Leer la nota completa]Mientras John Ford y en cierta medida Raoul Walsh buscan ubicar sus westerns en los espacios abiertos, ya sea de la llanura o el desierto, para darle amplitud y un cierto sentido de libertad y movimiento a sus personajes, en contraparte Anthony Mann busca los sitios agrestes, escarpados, terrenos rocosos de difícil acceso los cuales, a pesar de estar a cielo abierto, nos trasmiten una sensación de opresión, claustrofobia e inaccesibilidad, acorde con el desasosiego interno de su personaje principal, lo cual resulta claro de percibir en “El Precio de un Hombre” (The naked spur, 1953) y que en España pasa con el título de “Colorado Jim”, la cual será proyectada este martes 27 a las 20.00 hrs. en el canal de TCM Classic Hollywood, cuya visión le recomendamos ampliamente. Si busca mayor información sobre este western vaya en este blog al archivo:
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El Precio de un Hombre: The naked spur o Colorado Jim
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